Juan Pablo Echeverri

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Between Bridges is pleased to present Juan Pablo Echeverri: Identidad Perdida, a solo exhibition in two parts organised in collaboration with James Fuentes, New York.

The exhibition commemorates the life and work of Bogotá-born artist Juan Pablo Echeverri (1978–2022) whose prolific oeuvre can be read as an exercise of continual re-invention by means of the self-portrait. Translating to Lost Identity, the exhibition’s title is lifted from a handwritten note taped to the wall in Echeverri’s studio and resonates to his practice of defying a flattened, static, and essentialist reading of identity in order to joyfully celebrate a simultaneity of embodiments.

During his teenage years Echeverri began experimenting with a seemingly infinite multiplicity of identity and gender expressions and, in turn, its documentation. The impulse would soon crystallise as a grand ritual for which he’d take every day a portrait in a photo booth collecting the resulting passport-style portraits over the course of 22 years, each time performing neutrality or even a fearlessness in facing his own image. This series, titled miss fotojapón (1998–2022) – a wordplay on the homophone miss / mis (Spanish for my) and the Colombian photo store Foto Japón – comprises a pool of more than 8.000 portraits which Echeverri has exhibited in manifold variations, dimensions, and site-specific installations, shuffling images of himself across time, representing coded expressions through fashion and various formations of cultural appreciations amplifying the transformative potential of the self. For Between Bridges, three panels have been produced in the dimensions of 1 square meter – one size the artist in recent years was favourably disposed towards the series’ presentation – showing more than 400 self-portraits each.

This ritual exercise ran parallel to more than 30 series of photographic and video works that disclose Echeverri’s infatuation with the performativity of identity. In this way he is inscribed into lineages of artists who explore the medium of the serial self-portrait to inhabit a site for disidentification, as well as those who are embedded in an aesthetics and politics of visual and linguistic hybridity in order to negotiate majority culture from a position of being neither part nor not-part of it. Echeverri created fantastical personas and employed strategies of exaggeration while exhausting what might be considered good taste. Meticulously mimicking stereotypes of the everyday with a sense of both affectionate and parodic representation, he simultaneously appropriated the repertoire of the norm and the non-norm to sabotage normativity.

The artist’s series were formally articulated with a sense of space and place as Echeverri thoroughly shaped the design and construction of his frames. Working for over 15 years with a local framer in Bogotá, Echeverri often took specific inspiration from his field investigatiutilationons, and in his practice turned the photographic series into unique objects and sculptures.

MutiLady (2003), for this show presented in the medium of an exhibition poster and distributed across Berlin and New York, was a one-day-long performance in nine photographed stages for which a hairdresser was hired to cut and dye Echeverri’s hair again and again until stripped off it all, his torso airbrushed with an anatomical painting of the muscles underneath the skin. While the performance’s documentation refers to the significance of hair styles as signifiers of a belonging and affection to subcultures and movements, the title – merging lady not just with motilar (to crop) and mutation but also with mutilation – further alludes to the work’s political dimension and its production during a time of drastic expositions of violence by paramilitary groups informing Colombia’s public horizon.

MascuLady (2006), a mimicry of a barbershop street sign common in the Americas, again looks into politics connected to hairdos, this time through a take on then still popular and barely gender-progressive metrosexual-labelled aesthetics.

In later works, Echeverri dissected the affective dimensions of digital technology and relationality. The 60 pieces futurosextraños (2016) series is a melancholic meditation on the anonymising black and white silhouette displayed in the profiles of social media dating apps of those who don’t want to or can’t reveal their real faces, for a variety of reasons. The honeycomb shaped and hyper colourful Pres.O.S. (2017) series – the title is a play on the Spanish word for prisoners – takes a sharp look at 37 identities Echeverri culled from his memory of seeing people in public, lost in interaction with their mobile phones.

In the downstairs gallery, a selection of Echeverri’s home-made (early 2000s) and self-made music videos created wherever he travelled to, are presented as a reel, the latter all belonging to his video series Around the World in 80 Gays (2007–2015). They show him dancing and lip-syncing to top-40 songs of those regions he visited as well as his self-produced Spanish and Gay versions of pop songs, and, most staggeringly in its gestural preciseness, presenting his craftsmanship of impersonating and inventing personas that allowed him to inhabit an endless plurality of positions.

Identidad Perdida is organized by some of the people who miss him: Marcela Echeverri, Federico Martelli, Santiago Monge, Viktor Neumann, Sofía Reyes, and Wolfgang Tillmans. In Berlin, the show is embedded in Between Bridges’ current program series Theses on Hope, echoing Cuban-American scholar José Esteban Muñoz’s (1967–2013) thoughts on minority and disidentifcatory performance in their world-making capacity. The second part of the exhibition is taking place at James Fuentes, New York. A monographic publication, published by James Fuentes Press and designed by Other Means, details the wide-ranging works in both exhibitions and features a foreword by Wolfgang Tillmans, an essay by Inti Guerrero and an interview (2012) with the artist.

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Between Bridges freut sich, Juan Pablo Echeverri: Identidad Perdida zu präsentierten, eine Einzelausstellung in zwei Teilen in Zusammenarbeit mit James Fuentes, New York.

Die Ausstellung erinnert das Leben und Werk des in Bogotá geborenen Künstlers Juan Pablo Echeverri (1978-2022), dessen umfangreiches Oeuvre als eine Praxis der ständigen Neuerfindung mittels des Genres des Selbstporträts gelesen werden kann. Der Ausstellungstitel (übersetzt Verlorene Identität) bezieht sich auf eine handschriftliche Notiz, die in Echeverris Atelier an der Wand klebte und verweist auf seine Methode, sich einer reduzierten, statischen und essenzialistischen Lesart von Identität zu widersetzen, um vielmehr mit Freude eine Gleichzeitigkeit von Verkörperungen zu feiern.

Während seiner Teenagerjahre begann Echeverri mit einer scheinbar unendlichen Vielfalt an Ausdrucksformen von Identität und Geschlecht zu experimentieren und diese wiederum zu dokumentieren. Dieser Impuls kristallisierte sich bald als ein groß angelegtes Ritual heraus, bei dem er jeden Tag ein Porträt in einer Fotokabine aufnahm und die daraus resultierenden Passbilder über 22 Jahre hinweg sammelte, jedes Mal Neutralität oder sogar Furchtlosigkeit gegenüber seinem eigenen Abbild demonstrierend. Die Serie miss fotojapón (1998-2022) – der Titel ein Wortspiel aus dem Homophon miss / mis (spanisch für mein) und dem kolumbianischen Fotogeschäft Foto Japón – besteht aus einem Konvolut von mehr als 8.000 Porträts, die Echeverri in einer Vielzahl von Variationen, Dimensionen und ortsspezifischen Installationen ausstellte, wobei er eine Auswahl seiner Bilder über die Zeit hinweg, durch Mode kodierte Ausdrücke und verschiedene Formationen kultureller Anerkennung durchmischte, um das transformative Potenzial des Selbst zu verdeutlichen. Für Between Bridges wurden drei Bildtafeln in einer Größe von 1qm realisiert - eine Dimension, die der Künstler in den letzten Jahren für die Präsentation dieser Serie mitfavorisierte - die jeweils mehr als 400 Selbstporträts zeigen.

Diese rituelle Übung vollzog sich parallel zu der Entstehung von mehr als 30 Serien von Foto- und Videoarbeiten, die Echeverris Faszination für das Performative der Identität offenbaren. Sie schreiben ihn in eine Reihe von Künstler:innen ein, die das Medium des seriellen Selbstporträts als Ausdruck einer kontinuierlichen Transformation und als einen Ort der Disidentifizierung erforschen, sowie von solchen Künstler: innen, die eine Ästhetik und Politik der visuellen und sprachlichen Hybridität betreiben, um die Mehrheitsgesellschaft aus einer Position heraus zu verhandeln, in der sie weder Teil noch Nicht-Teil von ihr sind. Indem Echeverri mit einem Sinn für eine gleichermaßen liebevolle wie parodistische Darstellung eine Vielzahl von Stereotypen des Alltags akribisch nachahmt, fantastische Charaktere schafft und die Strategie der Überspitzung anwendet, eignet er sich gleichzeitig das Repertoire der Norm und der Nicht-Norm an, um Normativität an sich zu unterwandern.

Formell wurden die Entwicklungen der Serien von einem Bewusstsein für Raum und Ort bestimmt, während Echeverri das Design und die Konstruktion seiner Rahmungen sorgfältig mitkonzipierte. Echeverri, der über 15 Jahre lang mit einem lokalen Rahmenmacher in Bogotá zusammenarbeitete, ließ sich häufig von seinen Feldforschungen inspirieren und entwickelte aus den fotografischen Serien unikate Objekte und Skulpturen.

MutiLady (2003), für diese Ausstellung in der Form eines Ausstellungsplakats präsentiert und innerhalb Berlins und New Yorks verteilt, war eine eintägige Performance in neun fotografierten Etappen, für die ein Friseur beauftragt wurde, Echeverris Haare immer wieder zu färben und kürzer zu schneiden, bis sie ganz entfernt waren, während sein Torso mit einem anatomischen Abbild der Muskeln unter der Haut versehen war. Während die Dokumentation der Performance auf die besondere Bedeutung von Frisuren als Zeichen der Zugehörigkeit und der Zuneigung zu Subkulturen und Bewegungen verweist, spielt der Titel - der lady nicht nur mit motilar (span. für Abschneiden) und mutation (eng. für Veränderung), sondern auch mit mutilation (eng. für Verstümmelung) verbindet - darüber hinaus auf die politische Dimension der Arbeit und ihre Entstehung in einer Zeit drastischer Gewaltdarstellungen durch paramilitärische Gruppen an, die den öffentlichen Horizont Kolumbiens prägten. MascuLady (2006), eine Mimikry eines in Süd- und Nordamerika verbreiteten Straßenschildes für Friseur:innen, untersucht erneut die Bedeutung von Frisuren für die Gesellschaft, diesmal in Anlehnung an die damals noch populäre aber weiterhin nicht gerade progressive metrosexuelle Ästhetik.

In späteren Arbeiten untersuchte Echeverri die affektiven Dimensionen von digitaler Technologie und Relationalität. Die 60-teilige Serie futurosextraños (2016) ist eine melancholische Meditation über die anonymisierende Schwarz-Weiß-Silhouette, die in den Profilen von Social-Media-Dating-Apps von Personen angezeigt wird, die ihr wahres Gesicht aus den unterschiedlichsten Gründen nicht zeigen wollen oder können. Die wabenförmige und farbenfrohe Serie Pres.O.S. (2017) - der Titel ist eine Anspielung auf das spanische Wort für Gefangene - wirft einen prüfenden Blick auf 37 Identitäten, die Echeverri aus seiner Erinnerung an Menschen in der Öffentlichkeit zusammengetragen hat, die sich in der Interaktion mit ihren Handys verloren haben.

In der unteren Galerie wird eine Auswahl von Echeverris zu Hause gedrehten (Anfang der 2000er Jahre) und selbstproduzierten Musikvideos, die er auf seinen Reisen gedreht hat, als Reel präsentiert. Letztere gehören alle zu seiner Videoserie Around the World in 80 Gays (2007-2015). Sie zeigen ihn tanzend und lippensynchron zu den Top-40-Songs der von ihm besuchten Regionen sowie zu seinen selbstproduzierten spanischen und schwulen Versionen von Popsongs singend und zeugen von einer beindruckenden handwerklichen Fertigkeit und gestischer Präzision, Personen zu verkörpern und zu erfinden, die es ihm ermöglichte, eine endlose Vielzahl von Position einzunehmen.

Identidad Perdida wird von einigen der Personen organisiert, die Juan Pablo Echeverri vermissen: Marcela Echeverri, Federico Martelli, Santiago Monge, Viktor Neumann, Sofía Reyes und Wolfgang Tillmans. In Berlin ist die Ausstellung in die aktuelle Programmreihe Theses on Hope eingebettet und greift damit die Überlegungen des kubanisch-amerikanischen Performance-Theoretikers José Esteban Muñoz (1967-2013) zu minoritären und disidentifikatorischen Performances in ihrer welterzeugenden Kraft auf. Der zweite Teil der Ausstellung wird vom 7. Juni - 29. Juli 2023 bei James Fuentes, New York, zu sehen sein. Eine monografische Publikation, die von James Fuentes Press herausgegeben und von Other Means gestaltet wird, informiert über die vielfältigen Werke der beiden Ausstellungen und enthält ein Vorwort von Wolfgang Tillmans, einen Essay von Inti Guerrero und ein Interview mit dem Künstler.