Jean-Luc Moulène

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Galerie Chantal Crousel is pleased to present Jean-Luc Moulène’s seventh personal exhibition, featuring a selection of new sculptures and black and white photographs.

Introduced as an experimental space, the works in the exhibition operate as an ensemble and have been arranged along the lines of "a ritual without liturgy"[1]. They are organized in three sequences: relative dimensions, conditions of practice and sphere of representation.

The works reveal a multidimensional vision of the world, playing with human body mapping, abstraction, nature as a time marker. Within each space’s negative dimension (dimension -1, -2,...), the object exists through an infinity of limited and minuscule spaces, like topological shifts folding onto themselves.

A first bronze collarbone work—a collarbone with a tiny key affixed to it—opens and closes the exhibition before turning itself into a key.

The sculpture Bubu filtre holds a very strategic place. It is the zero mark of the exhibition, the identification point and figurehead of the procession. It mimicks the experience of hindsight, only to make the physical impossibility of showing negative dimensions, tangible. With this glass doll face placed on a cut plastic bottle filled with used oil, Bubu filtre gathers both body and poetry through materiality.

The more we dive into those negative dimensions, the larger becomes the number of formal possibilities. Four sculptures in bronze display such solutions: Figure et fond (tibia) [Figure and back (tibia)], Disque et anneau (fémur) [Disc and ring (femur)] and Articulation (humérus - clavicule) [Articulation (humerus - collarbone)] are the dimensional variations of space, confronted to the exact size of human bones. Designed digitally, they are however produced by the traditional lost-wax casting process. In the exhibition space, they follow one another with precision and overwhelm us with their size, their green, blue, yellow and red colored patinas, as well as their presentation display on cylindrical bases. Extraordinary because of their volume and density, these bronzes are neither figurative nor abstract. And as Moulène would say: "The color could even be a fourth dimension. Any of the objects’ specifications could be a dimension. And they can all be shared!"

Then we have both Écorchés [Skinned], placed as "gardians" on two sides of the main space and facing each other. Blind and mute as they are, they watch over the end of the demonstration. Adopting the same production process that was used for the series Tronches, 2014, the Écorchés are latex grotesque masks, whose orifices have been sewn. The masks have been overturned, filled with concrete, rubbed with waste oil than adorned with dangling culture pearls earrings.

The last and smallest cast bronze, Main (tous les os de la) [Hand (all the bones of the)], is of a more concrete approach. Having clearly expressed his attraction for this complex part of the human body, Jean-Luc Moulène discovers each time new ways to reflect on its numerous purposes, and on methods to deconstruct it. Captured, decomposed, and laid bare, all 27 bones have been gathered in the artists’ palm, and reassembled.

"The hand was once the sculptor’s supreme tool. But many sculptors today work with their hands in their pockets. Not Moulène. Not always."[2]

—Frédéric Paul

Unique object of the following sequence, Abstraction d’organes [Organ abstraction] is a work of abstraction. An assemblage of anatomical models of organs, paired with an organ of power, the Arc de Triomphe. The Arc is granted a second life, a new identity and a true role, which is to provide the work with a powerful presence, oscillating between stability and extreme frailty.

"We claim that it is the same problem that motivates Moulène: manipulating unconnected organs and senses to compose an ‘emancipated body’ and ‘sensibility’, and that is formulated as a strike of signification in a mixed-up unlinking."[3]

—Alexandre and Daniel Costanzo

Tension between presence and representation is carried out through a new ensemble of black and white photography, with various dimensions. Landscape, objet and bodies are the subjects of this new body of work. Photography has always held a special place in Jean-Luc Moulène’s corpus of work.

These photographs were taken with a 4x5’ view camera, like a calotype[4] then rendered with today’s digital technologies.

Its subjects bear a unique depth, a large patch of greys and a strong rise in contrasts because of the very long time frame of the pose (up to an hour). The moment itself is not targeted, rather the combined mouvement of light and wind, Stellaires [Stellar] and Le Jardin 1 and 2 [The Garden 1 and 2].

Anatomie [Anatomy] and Jambe [Leg] are both life-size prints. The materiality of the bone breaks through, whereas the plastic bones seems to vanish, finally blending the true and the false.

In the second space of the gallery, the sculpture Excentrique [Eccentric] is at the very center of this last sequence, with a spatial and temporal, individual and collective, vectorized and initialized presence, surrounded by flowers and landscape.

Beyond fiction where Jean-Luc Moulène’s routine implies dissecting the object and submitting it to materiality, there is also life at its full force. Imperfect objects and images constantly echoing one another, battling each other even, for the privilege of the authentic.

For more than twenty years, Jean-Luc Moulène has developed a complex body of work, both analytical and mysterious, of which photography has long constituted the most visible and best-known part. From the Disjunctions—a series of seemingly banal, frequently urban images that function as indeterminate topographical references at the heart of the real world—to the celebrated Objets de grève (‘Strike objects’: product shots of industrial artefacts made by striking workers, subverting the tools of their trade), Moulène’s photographs are strikingly raw, cruel and uncompromising, but always secretly metaphorical.

Drawings and sculptural objects have always played a part in his work, but both have assumed greater importance in recent years, superseding photography to become the chief component of Moulène’s most recent, large-scale exhibitions, though the essential spirit driving his distinctive oeuvre remains unchanged. Moulène’s works explore the question of representation in his chosen media, while at the same time drawing on their essential physicality and materiality to engage tirelessly with political, social and ontological issues ‘made flesh’—notably through the concept of ‘transaction’, an economically and sensitively charged term applied to the ongoing transaction between the imagination and reality.

Jean-Luc Moulène's notable solo exhibitions include the Museum of Old and New Art, Hobart (Tasmania) (2023) ; Casa Sao Roque, Porto (2021) ; SculptureCenter, New York (2019); Secession, Vienna (2017); Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris (2016); Villa Medici, Rome (2015); Kunstverein, Hannover (2015); Beirut Art Center (2013); Modern Art Oxford (2012); Dia:Beacon, New York (2012); Carré d’art – Musée d’art contemporain, Nîmes (2010); Centre d’art Passerelle, Brest (2008); Musée du Louvre, Paris (2005); Jeu de Paume, Paris (2005); CCA Kitakyushu (2004); Centre d’Art Contemporain, Geneva (2003); Le Confort Moderne, Poitiers (1994).

He participated to the 58th International Art Exhibition, Venice Biennale (2019); Taipei Biennial (2016); Biennale Internationale Design, Saint-Etienne (2015); Sharjah Biennial (2011) and to the Sao Paulo Art Biennial (2002).

Jean-Luc Moulène was also featured in several international group shows: Palais de Tokyo, Paris (2023) ; By Art Matters, Hangzhou (2022) ; Drawing room, London (2021); Calouste Gulbenkian Museum, Lisbon (2020); MAC VAL, Vitry-sur-Seine (2020); MoMA PS1, New York (2019); MAXXI Museo, Rome (2019); S.M.A.K., Ghent (2018); Museo Tamayo Arte Contemporaneo, Mexico City (2018); Guggenheim Bilbao (2017); CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco (2017); Wiels, Brussels (2017); Jeu de Paume, Paris (2016); Punta della Dogana, Venice (2016); Palais de Tokyo, Paris (2015); Aspen Art Museum (2015); Sharjah Art Foundation (2013); Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris (2012); Credac, Ivry-sur- Seine (2010); Marta Herford Museum (2005); Museum Ludwig, Köln (2005), among

1 - Philippe Vasset, Un rituel sans liturgie, exhibition catalogue Jean-Luc Moulène, Éditions Centre Georges Pompidou and Dilecta, Paris, 2016, p.108.

2 - Frédéric Paul, How Many Fingers in My Pocket? A Polydactyl Fantasia, Jean-Luc Moulène, Éditions Centre Georges Pompidou and Dilecta, Paris, 2016, p.125.

3 - Alexandre and Daniel Costanzo, The power of the open, Moulène 2007, p.33. Extract from a text by Eric de Chassey, Once upon a Time, Jean-Luc Moulène, catalogue Jean-Luc Moulène, Il était une fois, Éditions Académie de France à Rome, Villa Medici and Bernard Chauveaux Éditions, p.264.

4 - The calotype is a photographic process on paper developed in 1840. One of its qualities is that it gives a slightly blurred image. This is because the texture of the paper blurs the light rays passing through it.

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La Galerie Chantal Crousel est heureuse d’accueillir la septième exposition personnelle de Jean-Luc Moulène composée de nouvelles sculptures et de photographies noir et blanc inédites.

Les œuvres de l’exposition se présentent comme un ensemble ordonné selon un axe « rituel sans liturgie »[1], un espace expérimental organisé en trois séquences : les dimensions relatives, les conditions de l’exercice et l’espace de représentation.

Les œuvres donnent une appréhension multidimensionnelle du monde et jouent de la cartographie du corps humain, de l’abstraction et de la nature en tant que marqueur temporel. Dans les espaces de dimension négative (dim. -1, -2, ...), l’objet existe par une infinité d’espaces réduits, minuscules, tels des mouvements topologiques, se pliant infiniment sur eux-mêmes.

Une première sculpture en bronze — une clavicule à laquelle est apposée une petite clé — ouvre et ferme l’exposition et en devient elle-même la clé.

La sculpture Bubu filtre occupe une place stratégique, elle est le point zéro de l’exposition et la figure de proue du cortège d’œuvres qui miment l’expérience du recul en soi pour rendre sensible l’impossibilité matérielle de présenter les dimensions négatives. Une tête de poupon en verre est posée sur une bouteille en plastique coupée et remplie d’huile de vidange. Bubu filtre convoque matériellement le corps et la poésie.

Plus on descend dans les dimensions négatives de l’espace, plus le nombre de possibles formels augmente. Ici, quatre sculptures en bronze sont autant de solutions : Figure et fond (tibia), Disque et anneau (fémur) et Articulation (humérus - clavicule) sont des variations dimensionnelles de l’espace confrontées à la taille réelle des os humain. Même si elles sont conçues numériquement, elles restent produites dans la grande tradition de la cire perdue. Dans l’espace d’exposition, elles s’enchaînent précisément, surprennent par leurs tailles, leurs patines colorées vertes, bleues, jaunes et rouges, et par leur dispositif de présentation, sur socles cylindriques. Extraordinaires par leur volume et leur densité, ces bronzes ne sont ni figuratifs ni abstraits, et comme dirait Jean-Luc Moulène : « La couleur peut être une quatrième dimension. Toutes propriétés sont des dimensions de l’objet. Et toutes ces dimensions sont partageables ! »

Puis nous avons les deux Écorchés, disposés comme des « gardiens » de part et d’autre de l’espace et se faisant face. Aveugles et muets, ils surveillent la fin de la démonstration. Reprenant la technique de production initiée pour la série des Tronches (2014-2017), les Écorchés sont des masques grotesques en latex aux orifices cousus, retournés, remplis de béton, enduits à l’huile de vidange puis parés de pendants d’oreilles en perles.

Un dernier bronze, le plus petit, Main (tous les os de la) est d’une approche plus concrète. Jean-Luc Moulène a exprimé à de nombreuses reprises son attirance pour cette partie complexe du corps humain, en découvrant à chaque fois de nouvelles façons de réfléchir à ses multiples usages et aux possibilités de la désosser. Ici, la main est capturée décomposée et mise à nu avec ses vingt-sept os rassemblés dans la paume de l’artiste, puis fixés.

La main était autrefois l’outil suprême du sculpteur. Mais aujourd’hui, beaucoup de sculpteurs travaillent les mains dans les poches. Pas Moulène. Pas toujours.[2]

—Frédéric Paul

Seul objet de la séquence suivante, Abstraction d'organes est une œuvre abstraite. Il s’agit d’un assemblage de modèles anatomiques d’organes associés à un organe du pouvoir, l’Arc de Triomphe. L'Arc se voit conférer une seconde vie, une nouvelle identité et un véritable rôle, celui de donner à l’œuvre une présence puissante, oscillant entre stabilité et extrême faiblesse.

Nous prétendons que c'est le même problème qui motive Moulène : manipuler des organes et des sens non connectés pour composer un "corps émancipé " et une "sensibilité", et qui est formulé comme une grève de la signification dans une déliaison mélangée.[3]

—Alexandre et Daniel Costanzo

La tension entre présence et représentation s’exerce par un nouvel ensemble de photographies en noir et blanc aux dimensions variées. Paysages, objets, corps sont les sujets de ce nouveau travail. La photographie a toujours été une composante essentielle de l’œuvre de Jean-Luc Moulène.

Ces photographies sont enregistrées avec une chambre 4x5’’, à la manière d’un calotype[4] mais restituées à l’aide de la technologie moderne numérique.

Avec cette technique et son temps de pose long (jusqu’à une heure), les sujets sont dotés d’une très grande profondeur de champ, d’une grande étendue des gris en même temps que d’une forte montée de contraste. Ce n’est pas l’instant qui est visé mais le mouvement conjugué de la lumière et du vent, Stellaires (2020), Le Jardin 1 et 2 (2023). Anatomie et Jambe sont tirées grandeur nature. La matérialité de l’os réel s’affirme, tandis que les os en plastique semblent disparaître, mêlant ainsi le vrai au faux.

Dans le second espace de la galerie, la sculpture Excentrique est au centre de cette dernière séquence ; présence spatiale et temporelle, individuelle et collective, vectorisée et initialisée, entourée de fleurs, de paysages.

Au-delà de la fiction, dans laquelle la pratique de Jean-Luc Moulène implique de disséquer l’objet et de le soumettre à la matière, il y a aussi la vie dans toute sa force. Des objets et des images imparfaits qui se font continuellement écho, voire s’affrontent, pour le privilège de leur authenticité.

Depuis plus de vingt ans, Jean-Luc Moulène développe un travail complexe, à la fois analytique et mystérieux, dont la photographie a longtemps constitué la part la plus visible et la plus reconnue. Des Disjonctions, série de photographies a priori banales, souvent urbaines, qui opéraient comme des relevés d’indices topographiques indéterminés au cœur du réel, aux célèbres Objets de grève, des clichés d’artefacts industriels fabriqués par des ouvriers grévistes détournant l’outil de production, il s’agissait à chaque fois d’une facture photographique brute, cruelle, sans complaisance, mais toujours secrètement métaphorique.

Les dessins et objets sculpturaux, qui ont toujours participé de son travail, ont pris par la suite une importance plus grande, au point de devenir majoritaires dans ses dernières grandes expositions, sans changer foncièrement l’esprit qui anime cette œuvre singulière. En plus d’interroger les enjeux de représentation de son médium, elle ne cesse d’aborder, dans sa matérialité même, des questions politiques et sociales, mais aussi ontologiques, notamment à travers la notion de « transaction », un terme investi de manière économique aussi bien que sensible, à travers une transaction permanente de l’imaginaire avec le réel.

Les expositions personnelles majeures de Jean-Luc Moulène incluent des institutions telles que le Museum of Old and New Art, Hobart (Tasmanie) (2023) ; Casa Sao Roque, Porto (2021) ; SculptureCenter, New York (2019) ; Secession, Vienne (2017) ; Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris (2016) ; Villa Medicis, Rome (2015) ; Kunstverein, Hanovre (2015) ; Beirut Art Center (2013) ; Modern Art Oxford (2012) ; Dia:Beacon, New York (2012) ; Carré d’art — Musée d’art contemporain, Nîmes (2010) ; Centre d’art Passerelle, Brest (2008) ; Musée du Louvre, Paris (2005) ; Jeu de Paume, Paris (2005) ; CCA Kitakyushu (2004) ; Centre d’Art Contemporain, Genève (2003) ; Le Confort Moderne, Poitiers (1994).

Il a également participé à la 58ème exposition internationale d'art Contemporain, Biennale de Venise (2019) ; Biennale de Taipei (2016) ; Biennale Internationale Design, Saint-Etienne (2015) ; Biennale de Sharjah (2011), ainsi qu’à la Biennale de Sao Paulo (2002).

De nombreuses institutions ont également présenté son travail dans le cadre d'expositions de groupe : Palais de Tokyo, Paris (2023) ; By Art Matters, Hangzhou (2022) ; Drawing room, Londres (2021) ; Calouste Gulbenkian Museum, Lisbonne (2020) ; MAC VAL, Vitry-sur-Seine (2020) ; MoMA PS1, New York (2019) ; MAXXI Museo, Rome (2019) ; S.M.A.K., Gand (2018) ; Museo Tamayo Arte Contemporaneo, Mexico (2018) ; Guggenheim Bilbao (2017) ; CCA Wattis Institute for Contemporary Arts, San Francisco (2017) ; Wiels, Bruxelles (2017) ; Jeu de Paume, Paris (2016) ; Punta della Dogana, Venise (2016) ; Palais de Tokyo, Paris (2015) ; Aspen Art Museum (2015) ; Sharjah Art Foundation (2013) ; Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris (2012) ; Credac, Ivry-sur-Seine (2010) ; Marta Herford Museum (2005) ; Museum Ludwig, Cologne (2005), entre autres.

1 - Philippe Vasset, Un rituel sans liturgie, catalogue de l’exposition Jean-Luc Moulène, Éditions Centre Georges Pompidou et Dilecta, Paris, 2016, p.108.

2 - Frédéric Paul, Combien de doigts dans ma poche ? Fantaisie polydactyle, catalogue de l’exposition Jean-Luc Moulène, Éditions Centre Georges Pompidou et Dilecta, Paris, 2016, p.125.

3 - Alexandre et Daniel Costanzo, The power of the open, Moulène 2007, p.33. Extrait du texte de Eric de Chassey, Once upon a Time, Jean-Luc Moulène, catalogue Jean-Luc Moulène, Il était une fois, Éditions Académie de France à Rome, Villa Médicis et Bernard Chauveaux Éditions, p.264.

4 - Le calotype est un procédé photographique sur papier mis au point en 1840, dont une des qualités est de donner une image un peu floue. Ceci est lié au fait que la texture du papier trouble les rayons lumineux qui le traversent.