Quentin Gouevic

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Galerie Nathalie Obadia is delighted to present Pour excaver la lumière, artist Quentin Gouevic’s first solo exhibition in Paris.

Born in Saint-Brieuc in 1996, Quentin Gouevic seems to be one of those who tend to explore, through their paintings, a language of feelings. The exhibited paintings do not represent, nor do they tell. They embody themselves as “paintings of sensations, concrete and perceptible to the senses,” declares the artist. A new group of four resolutely abstract paintings unfolds across the exhibition space, continuing a reflection on the renewal of the very medium of painting, of trace, of gesture and of color in the pictorial field.

And yet, when Quentin Gouevic entered the Ecole des Beaux-Arts in Nantes in 2019, he originally intended to explore figurative imagery. In the course of his experiments at the time – and still today as he pursues his research at the Beaux-Arts in Paris – the artist realized that his desire was not for representation; it was for painting. With undiminished energy, Quentin Gouevic now sets out to exploit all the possibilities offered by the pictorial field: “the quality of the brushstroke, of the materials, the balance and beauty of forms, the relevance of traces, the strength and impact of colors, the depth of transparencies, the accuracy of tones and, above all, the overall stature of painting,” he says.

From this desire springs a gestural and colorful painting, vigorously applied in broad brushstrokes, thickened by the multiple interplays of superimpositions, overlays and transparencies, and always rooted to the artist’s sensitive world. With extreme spontaneity, Quentin Gouevic experiments with something he calls “the deviations of painting”. He welcomes chance, the sometimes happy accidents that he modulates and works on, remaining alert to “silent suggestions and hidden paths,” he explains. The artist pushes boundaries, shifting the gaze to constantly renew it, sometimes turning his paintings upside down in order to reverse the locus of gravity. Ascending and descending drips deploy at the heart of the painted surface, destabilizing the viewer.

The artist’s physical commitment to the act of painting – sometimes to the point of exhaustion – certainly stems from his working-class past. Quentin Gouevic worked in a factory then a slaughterhouse for three years, before attending the Beaux-Arts in Nantes. Today, the artist maintains a very close relationship with his works: the painter and his painting come head to head with each other, with the interplay of movement and power. There is a political dimension, which is important to underline. In fact, the artist states, “My heritage, the only one I really cling to, is my work force. So my own painting is in the palm of my hands. And every day, I send my hands to drink synovial fluid from the sources of my substratum. This way, when they come to the surface, they help me find answers.” A message that gives palpable meaning to Pierre Soulages’s dictum: “It is what I do that teaches me what I am looking for.”[1]

Beyond the pictorial challenges to which he devotes himself daily, painting represents for Quentin Gouevic an opening, a way of embodying himself in the world. By constantly searching, covering, renouncing, building and discovering, the artist commits his entire being, animated by a deep desire to go further in the pictorial field. Color bursts forth from these variously sized works, as Quentin Gouevic seeks to excavate light, wherever it comes from.

Born in 1996 in Saint-Brieuc (France), Quentin Gouevic lives in Paris and studies at the Beaux-Arts de Paris (France).

Born and raised in a working-class environment, Quentin Gouevic left his industrial job in 2019 to study at the Beaux-Arts de Nantes St Nazaire, before entering the Beaux-Arts de Paris in 2023. Here in the capital, his research focuses on the medium of painting, exploring trace, gesture and color in a profound desire to go ever further, to continually expand the limits of the pictorial field.

Above all, he creates a “painting of sensations”, in which he is particularly interested in both his own and the viewer’s immersion in spaces and fields of color. In the process, his paintings constantly change, until they incorporate trace, overlay, superimposition and erasure as so many elements that enable him to construct his works. There are often apertures, breaches, windows: interstices of light.

His work as an artist is intrinsically linked to his sociology, and to his past working-class experiences. While painting he deploys his labor force and physically engages himself, almost performatively, throughout the whole process. His paintings are always realized without preconceived ideas and are progressively built up as layers are superposed over time. Shapes appear naturally and are then highlighted by rings and subtle washes of color. Experimentation and risk-taking are an essential part of his approach: they reflect his desire to go ever further in painting, provoking effects of surprise and new discoveries. The haptic dimension and sensory immersion inherent in the music he listens to (Black Metal) accompany him and join his research in its sensitive and radical aspects.

The artist was one of the resident of the first edition encore! residency in La Rochelle in 2023.

1 - Alfred Pacquement, Preface to Roger Vailland’s, Comment travaille Pierre Soulages, Le Temps des Cerises, 2012, p.11

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La Galerie Nathalie Obadia est heureuse de présenter Pour excaver la lumière, la première exposition personnelle de l’artiste Quentin Gouevic à Paris.

Né en 1996 à Saint-Brieuc, Quentin Gouevic semble être de ceux qui tendent à explorer, à travers leurs peintures, un langage des sentiments. Les tableaux exposés ne représentent pas, ne disent pas non plus, s’incarnant telles “des peintures de sensations, concrètes et perceptibles par les sens” déclare l’artiste. Un ensemble inédit de trois peintures résolument abstraites se déploient dans l’espace d’exposition, se situant dans la continuité d’une réflexion sur le renouvellement du médium de la peinture, de la trace, du geste et de la couleur dans le champ pictural.

Pourtant, lorsque Quentin Gouevic entre aux Beaux-Arts de Nantes en 2019, il avait l’intention d’explorer l’imagerie figurative. Au fil de ses expérimentations - et poursuivant aujourd’hui ses recherches aux Beaux-Arts de Paris - l’artiste s’aperçoit que son désir ne se situe pas dans la représentation ; il s’agit d’un désir de peinture. Avec un dynamisme qui ne faiblit pas, Quentin Gouevic s’attache désormais à exploiter toutes les possibilités du champ pictural : “la qualité de la touche, celle des matières, l’équilibre et la beauté des formes, la pertinence des traces, la force et la prégnance des couleurs, la profondeur des transparences, la justesse des tons et par-dessus tout, la stature globale de la peinture.” déclare-t-il.

De ce désir naît une peinture de gestes et de couleurs, vigoureusement brossée en de larges coups de pinceaux, épaisse par les multiples jeux de superpositions, de recouvrements, de transparences, et restant attachée, toujours, au monde sensible de l’artiste. Avec une extrême spontanéité, Quentin Gouevic expérimente ce qu’il nomme “les écarts de la peinture”. Il accueille le hasard, les accidents parfois heureux qu’il module et travaille, restant alerte aux “suggestions muettes et aux pistes masquées” précise-t-il. L’artiste repousse les limites, déplace le regard pour le renouveler sans cesse, allant jusqu’à retourner ses tableaux afin de renverser le lieu de la gravité. Des coulures ascendantes et descendantes se déploient ainsi au cœur de la surface peinte, déstabilisant celles et ceux qui la regardent.

L’engagement physique de l’artiste dans l’acte de peindre - parfois jusqu’à l’épuisement - provient certainement de sa condition ouvrière passée. Quentin Gouevic travaille à l’usine et à l’abattoir pendant trois ans avant d’intégrer les Beaux-Arts de Nantes. Aujourd’hui, l’artiste entretient une relation étroite avec ses oeuvres : dans un corps à corps entre le peintre et son tableau, des jeux de circulations et des rapports de forces s’opèrent. Une dimension politique qu’il est important de souligner, l’artiste déclarant : “mon patrimoine, le seul auquel je tiens vraiment, c’est ma force de travail. Alors ma peinture à moi, elle tient dans mes mains. Et chaque jour, mes mains, je les envoie s’abreuver en liquide synoviale aux sources de mon substratum. Pour que lorsqu’elles remontent à la surface, elles m’aident à trouver des réponses”. Un message qui donne un sens palpable à la formule de Pierre Soulages qui disait “c’est ce que je fais qui m’apprend ce que je cherche”.[1]

Au-delà des enjeux picturaux auxquels il se dévoue quotidiennement, la peinture représente pour Quentin Gouevic une ouverture, une façon de s’incarner au monde. En cherchant, recouvrant, renonçant, construisant et découvrant sans cesse, l’artiste s’engage de tout son être, animé par un désir profond d’aller plus loin dans le champ pictural. La couleur jaillit de ces œuvres aux formats variés, Quentin Gouevic cherchant à excaver la lumière, d’où qu’elle vienne.

Né en 1996 à Saint-Brieuc (France), Quentin Gouevic vit à Paris et étudie aux Beaux-Arts de Paris (France).

Issu d’un milieu ouvrier, Quentin Gouevic quitte l’usine en 2019 pour se former aux Beaux-Arts de Nantes Saint Nazaire, avant d’entrer en 2023 aux Beaux-Arts de Paris. Dans la capitale, ses recherches se concentrent sur le médium de la peinture, explorant la trace, le geste et la couleur dans un désir profond d’aller toujours plus loin, de repousser continuellement les limites dans le champ pictural.

Quentin Gouevic affirme réaliser ce qu’il nomme “une peinture de sensations”, dans laquelle il porte un intérêt particulier pour sa propre immersion ainsi que celle des spectateurs au sein d’espaces et de champs colorés. Au cours du processus, ses peintures changent sans cesse jusqu’à intégrer la trace, le recouvrement, la superposition et l’effacement, autant d’éléments qui lui permettent de construire ses tableaux. On y observe souvent des ouvertures, des brèches et des fenêtres : des interstices de lumière.

Sa peinture est intrinsèquement liée à sa sociologie, et à ses expériences ouvrières passées. Pour peindre, il met œuvre sa force de travail et s’engage physiquement, presque performativement, tout au long du processus. Ses tableaux sont toujours réalisés sans à priori et se construisent au fur et à mesure des couches qui se superposent avec le temps. Les formes apparaissent naturellement et sont ensuite mises en valeur par des cernes et de fins lavis de couleurs destinés à les mettre en exergue. L’expérimentation et la prise de risques font partie intégrante de sa démarche: elles témoignent de sa volonté d’aller toujours plus loin dans la peinture provoquant des effets de surprises et de découvertes. La dimension haptique ainsi que l’immersion sensorielle propre à la musique qu’il écoute (Black Métal) l’accompagnent et rejoignent sa recherche dans ce qu’elle a de sensible et de radicale.

L’artiste a récemment été lauréat de la première édition de la résidence encore! à La Rochelle en 2023.

1 - Alfred Pacquement, Préface de l’ouvrage de Roger Vailland, comment travaille Pierre Soulages, Le Temps des Cerises, 2012, p.11