Robert Irwin

[Please scroll down for German version / Für Deutsch bitte scrollen Sie nach unten]

A pioneer in minimal painting, sculpture, and site-conditional installations since the 1960s, Robert Irwin has worked at the forefront of modern and contemporary art at each stage of his celebrated career. He is best known for his sculptures and environments that are closely attuned to the architectures and qualities of the spaces they occupy, and which use translucent and light-reflective materials, including scrim, aluminum, and acrylic, that capture and interact with light in myriad ways. Marking his 90th birthday, Sprüth Magers presents an exhibition of Irwin’s recent light works and paintings at the Berlin gallery. To commemorate both this exhibition and the site-conditional installation he produced at Sprüth Magers Los Angeles earlier this year, the gallery will also publish the catalogue Robert Irwin (forthcoming, fall 2018).

The artist first employed fluorescent lights on a monumental scale in 1998, as part of a multi-room scrim installation he produced for the Dia Art Foundation, New York; and later for the massive wall installation Light and Space (2007), first conceived for the Museum of Contemporary Art, San Diego. Approximately ten years ago, as he was nearing the age of 80, Irwin gave the medium renewed focus and created an original kind of form: cascading rows of fluorescent lights, tinted variously with vivid, muted, and metallic colors, that function enigmatically between painting and sculpture.

As with all of Irwin’s art, the light works use deceptively simple materials to produce a complex effect. In contrast to the work of Dan Flavin, with which they are sometimes compared, Irwin utilizes only white fluorescent tubes that he overlays with arrangements of colored gel sheets. The same material used in the theater to give stage-lights a tonal range, the gels exist in hundreds of colors. Irwin then “blends” them further by sometimes layering multiple colored gels on top of one fluorescent tube, as if mixing paint. When the light is on, one color might show; when it is off, an entirely different tone is visible, such that each work exists in multiple states when off or on. In addition, bands of tape zip down the front of most tubes, and the sides of a handful of light fixtures are painted in gray or black, which adds an alternating sense of shallowness and recession to the work’s overall presence. Over the years, the artist has developed a sensitivity to how each gel changes the bulb’s luminosity, and how different colors shift in relation to others, in order to create as contingent and dimensional a viewing experience as possible.

The distinctive titles of the works often refer to literature and music and include plays on words. Their symmetrical arrangements, moreover, can evoke an open book, or the repeating motifs of a musical composition. The title of Faust (2015) brings directly to mind the classic German legend of Dr. Faust and his bargain with the devil, captured famously in Johann Wolfgang von Goethe’s play (and in the opera by Charles Gounod). In Mint Condition (2015), a palette of cool greens and opaque gold offers a visual pun on the concept of being fresh and new. And though one might see a reference to the tropics in the pale greens and bright yellows of Oasis (2015), ultimately any associations are dependent upon the individual viewer’s understanding. Instead, what interests the artist most is the play of color and varied tonalities that each light work acquires in different environments, and at different times of day.

Finally, Irwin’s Untitled (2018) panels are from a series of black paintings that the artist has produced in the last few years. Meant to be installed in pairs, they are fabricated from honeycomb aluminum (a material used in aerospace, among other industries) and polyester primer, which is tinted with a specially devised pigment nicknamed Irwin black. This gives the paintings their deep, smoky tone and adds to their intense reflectivity. Hanging two black squares together sets up an immediate relationship between them, making the viewer aware of the paintings’ spatial dynamics and of their own processes of perception as they catch reflections of themselves, the room, and Irwin’s light works installed nearby.

Robert Irwin (b. 1928, Long Beach, California) lives and works in San Diego, California. Major solo exhibitions include All the Rules Will Change at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, DC (2016), Primaries and Secondaries at the Museum of Contemporary Art, San Diego (2007), and a large-scale retrospective organized by the Museum of Contemporary Art, Los Angeles, that traveled to the Kölnischer Kunstverein, Cologne, the Musée d'art moderne de la Ville de Paris, and the Reina Sofía, Madrid (1993-1995). Since the early 1970s, Irwin has created site-conditioned installations at institutions such as the Museum of Modern Art, New York; the Whitney Museum of American Art, New York; the Walker Art Center, Minneapolis; the Museum of Contemporary Art, San Diego and La Jolla; and the Chinati Foundation, Marfa, Texas, among many others. The artist has also designed major architectural and environmental installations at the Los Angeles County Museum of Art, Dia:Beacon, and the Getty Center. Irwin has received numerous awards, including the Thomas Jefferson Foundation Medal in Architecture (2009), a John D. and Catherine T. MacArthur Fellowship (1984-1989), and a Guggenheim Fellowship (1976).

*****

Robert Irwin gilt seit den 1960er Jahren als Vorreiter der minimalen Malerei, Skulptur und ortsbezogenen Installation. Seine bekanntesten Werke sind Skulpturen und Environments, die präzise auf die Architektur und Eigenschaften der Räume, in denen sie ausgestellt werden, abgestimmt sind. Dabei kommen lichtdurchlässige und reflektierende Materialien, wie Gitterstoffe, Aluminium und Acryl zum Einsatz, die Licht sowohl einfangen als auch auf unterschiedlichste Weise mit ihm interagieren. Zu seinem 90. Geburtstag präsentiert Sprüth Magers in der Berliner Galerie eine Ausstellung von Robert Irwins jüngsten Lichtarbeiten und Gemälden. Anlässlich der Ausstellung und der Installation, die Irwin zu Beginn diesen Jahres speziell für Sprüth Magers Los Angeles schuf, wird die Galerie den Katalog Robert Irwin herausgeben (Erscheinungsdatum Herbst 2018).

Fluoreszierende Lichtquellen mit monumentalen Dimensionen setzte der Künstler erstmals im Jahr 1998 ein – als Teil einer umfassenden Installation aus Gitterstoffen (Scrim), die er für die Dia Art Foundation in New York umsetzte. Später verwendete er fluoreszierendes Licht auch für die großformatige Wandinstallation Light and Space (2007), welche er für das Museum of Contemporary Art in San Diego konzipierte. Vor etwa zehn Jahren nahm sich Irwin dem Medium erneut an und gelangte zu einer originellen Formfindung: kaskadenartige Reihen fluoreszierender Lichter, die wechselweise in strahlenden, gedämpften oder metallischen Farben getönt und in einem diffusen Zwischenraum zwischen Malerei und Skulptur angesiedelt sind.

Wie alle Werke Irwins bedienen sich diese Lichtarbeiten einfacher Materialien, um eine komplexe Wirkung zu erzielen. Im Gegensatz zu Dan Flavins Arbeiten, mit denen sie manchmal verglichen werden, verwendet Irwin ausschließlich weiß leuchtende Röhren, die er mit farbigen Folienfiltern in unterschiedlichen Kombinationen ummantelt. Dasselbe Material, erhältlich in hunderten von Farbtönen, findet im Theater Verwendung, um Bühnenscheinwerfer farblich abzustufen. Als würde er Malfarben mischen schichtet Irwin manchmal mehrere Folienfilter auf ein- und dieselbe Leuchtstoffröhre. Bei eingeschaltetem Licht ist jeweils eine der Farben sichtbar, wird es ausgeschaltet, kommt ein völlig anderer Farbton zur Geltung. So existiert jede Arbeit in mehreren Zuständen. An den Vorderseiten der meisten Röhren sind Klebebandstreifen angebracht, und die Außenseiten einiger Fassungen sind grau und schwarz gestrichen, was der Präsenz der Arbeit einen alternierenden Effekt von Flachheit beziehungsweise von Vertiefung verleiht. Im Laufe der Jahre hat der Künstler eine Sensibilität dafür entwickelt, wie jeder einzelne Folienfilter das Leuchtmittel beeinflusst und wie sich unterschiedliche Farben in Beziehung zueinander wandeln. Mit diesem Wissen gelingt es Irwin, ein mehrdimensionales und komplexes Seherlebnis zu kreieren.

Die markanten Werktitel nehmen häufig Bezug auf Literatur und Musik und beinhalten Wortspielereien. Ihr symmetrisches Arrangement mag darüber hinaus an ein aufgeschlagenen Buches erinnern, die sich wiederholenden Motive an eine musikalische Komposition. Der Titel Faust (2015) lässt direkt an die klassische deutsche Legende von Doktor Faustus und dessen Pakt mit dem Teufel denken. Die Arbeit Mint Condition (2015), mit ihrer Palette aus kühlen Grüntönen und trübem Gold, kann als eine visuelle Anspielung auf das Konzept des Frisch- und Neuseins gelesen werden. Und auch wenn man in den blassen Grüntönen und den leuchtenden Gelbtönen von Oasis (2015) einen Verweis auf die Tropen erkennen mag, bleiben letztlich alle Assoziationen abhängig von dem subjektiven Verständnis der individuellen Betrachter_in. Den Künstler interessiert indessen vorrangig das Spiel mit den Farben und Farbklängen, die sich bei jeder der Lichtarbeiten, abhängig von ihrer räumlichen Umgebung und der jeweiligen Tageszeit, ständig wandeln.

Die Werke Untitled (2018) entstammen einer Serie schwarzer Malereien, die Irwin in den letzten Jahren schuf. Die zur paarweisen Installation bestimmten Arbeiten bestehen aus Alu-Wabenplatten (ein industrielles Material, das unter anderem in der Luft- und Raumfahrt eingesetzt wird), sowie aus einer Polyestergrundierung, die mit einem speziell angefertigten Pigment gefärbt wurde, das auch als „Irwin-Schwarz“ bezeichnet wird. Dieses Schwarz verleiht den Gemälden ihren tiefen, rauchigen Ton und trägt zu ihrer starken Spiegelwirkung bei. Hängt man zwei schwarze Rechtecke zusammen, so ergibt sich zwischen ihnen augenblicklich eine Relation. Diese sensibilisiert Betrachter_innen für die von den Gemälden ausgehende räumliche Dynamik sowie für ihre eigenen Wahrnehmungsprozesse, indem sie Spiegelungen ihrer selbst, des umgebenden Raumes sowie der in der Nähe hängenden Lichtarbeiten erfassen.

Robert Irwin (*1928 in Long Beach, Kalifornien) lebt und arbeitet in San Diego. Zu seinen bedeutendsten Einzelausstellungen zählen All the Rules Will Change im Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C. (2016), Primaries and Secondaries im Museum of Contemporary Art, San Diego (2007) sowie eine umfangreiche Retrospektive, die vom Museum of Contemporary Art in Los Angeles organisiert wurde und anschließend während der Jahre 1993–1995 im Kölnischen Kunstverein, im Musée d’art moderne de la Ville de Paris und im Museum Reina Sofía in Madrid gastierte. Seit den frühen 1970er Jahren schafft Irwin ortsbedingte Installationen auf Einladung von Institutionen wie dem Museum of Modern Art, New York, dem Whitney Museum of American Art, New York, dem Walker Art Center, Minneapolis, dem Museum of Contemporary Art, San Diego und La Jolla, der Chinati Foundation in Marfa, Texas und vielen weiteren. Zudem kreierte der Künstler bedeutende architektur- und landschaftsbezogene Installationen für das Los Angeles County Museum of Art, Dia:Beacon und das Getty Center. Irwin erhielt für seine Werk zahlreiche Auszeichnungen, darunter die Thomas Jefferson Foundation Medal in Architecture (2009), eine John D. and Catherine T. MacArthur Fellowship (1984–1989) sowie eine Guggenheim Fellowship (1976).