Amélie Bigard & Lena Long

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Joséphine Dupuy Chavanat: You are both artists of the pre-adult world, of a community of figures and objects that oscillate between tender intimacy and the dream machine that cultural industries and capitalism create. For decades, adolescence has been forged by consumerism, which has pushed young people to constantly enhance their image and to operate a scripting of the self. Lena, it is rather through the objects of instant and regressive pleasures (such as games, telephone screens, pop-culture images or junk food) that you wanted to generate new mythologies and iconography from adolescence, to show the effects that these images can have on our behaviors and act on our bodies, both in the social sphere and in the intimate sphere. The painting of the armchair-brioche crunched in full teeth intervenes as the symbol of an image that consumes us and that we digest. For you, are these images meant to project our identities and our common desires?

Lena Long: I often wonder through what channels of representation the powers shape our intimacies and our bodies to our fantasies. I think it's mainly through the image. My work is rooted in the study of forms of domination and their symbols. It is important to me to anchor my work in a domestic context and its imagery. Indeed, Hollywood movies, attractions and merchandising form economies, mentalities and lifestyles that found a global civilization of desires, dictate attitudes, orient choices and entrench prejudices. Their entanglement in many social spheres integrates them into the realm of habit and routine. The compression of the world and the intensification of the consciousness as a whole obliges - according to me - to the observation of the daily life to analyze the globalization of the habitus. My register is that of forms that are inscribed in consumerism, technology and the imaginary of the everyday.

JDC: Indeed, there is in your works a will to go beyond a description of the world as it is, with the staging of archetypal objects and particular situations. You go rather to seek what there is of underlying, to draw what there is of deep in the adolescence, which is an age of transition transcended by the contradictions. Amélie, I have the impression that you represent the environment of your characters to reveal their states of mind. The addition of the feelings that appear - melancholy, sweetness, sisterhood... - builds up a kind of self-awareness and awareness of a generation.

JDC: You both start with large notebooks, where you list collected images, situations that have occurred, associations of ideas, particular compositions or assemblies of colors. Moreover, you master, each in your own way, the wooden panel, Lena by preparing it with calcium carbonate then by applying dry oil, in the manner of the fresco; Amélie, by mastering the technique of the icon, which consists in engraving the drawing on wood coated with levkas[1], then to paint by the flatness of successive layers, of the darkest tints to the lightest colors. This confrontation that you operate between ancestral pictorial techniques and an iconography borrowed from popular culture and the inexhaustible source of the Internet, make the strength of your work. What does the dialogue between these pictorial techniques so rigorous and the representations of these figures or objects say about your work?

AB: It was in churches that I first admired icons. It was outside the institutionalized framework of museums and galleries that I discovered, as a child, what art was. I was very quickly moved by this religious imagery. I wondered about its essence, its technique, and that's why I wanted to learn about it. I trained myself in the preparation of wood, then in engraving, egg painting and the pictorial process of lighting, but also in axonometric perspective and the synthesis of representations. I find myself in the false simplicity of this technique and the impact given to the characters I want to talk about by stripping away the clichés of what makes an era, such as clothes or brands for example.

LL: On the contrary, for me it is the images manufactured by our world that interest me: advertising, packaging, branding... as images orient choices and root prejudices, I naturally went towards a painting of the image. Figurative painting, in oil, and its culturally easier access thanks to its democratization are dear to my heart. I want to make this practice more accessible and make it a tool to communicate with audiences less aware of artistic forms.

JDC: You collaborate for the first time together, with the creation of a model and a doll, made by Laurence Ruet. The characters of your paintings have been extracted from the two-dimensional. How did you come to these objects and what place do they now have in your work.

AB & LL: Our practices as painters also assert themselves with a work on the support and with a reflection on installation gestures. Although of different construction, the paintings and pieces in volume will belong to the same register as the other works. We would like the paintings and models to respond to each other like a still play. As painters, we consider these installation gestures as painting gestures.

JDC: Walking u home! This ambiguous injunction oscillates between the distressing proposal of a man with bad attentions, and the reassuring attitude of the women between them, marker of a reassuring sisterhood. The title of the exhibition reminds us that public space is unequally shared between girls and boys, from the playground to the subway trains. But in the tumult of images and representations of the body that your generation carries, I was soothed to contemplate an intimate and gentle approach to adolescence. Pegasus is now at rest, after centuries of celestial adventures and energy in battle. The young man in the orange pants is dreaming, a paper airplane in his hand. I wanted to initiate this conversation between your two worlds because they draw from the same carefree force. What do you think of this dialogue, and what does the other's work inspire in you?

AB & LL: We both believe that we do not have a "soft" approach to adolescence. What interests us is a tenderness for our subjects and a tenderness in the way we paint. But this period of life also embodies the threshold of violence - psychological, economic, social. We have strong interests and common motives that we treat very differently, clinging to a history of painting and to various sources of inspiration. Having grown up side by side, in our lives as well as in our practices, we have experiences that come together and are reflected in our paintings, each with its own retranscription.

1 - The levkas is the usual name given to the white coating of the bottom of the icon composed of white of Meudon, Troyes or Spain mixed with glue on which the colors will offer their best transparency.

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Joséphine Dupuy Chavanat: Vous êtes toutes deux des artistes du monde pré-adulte, d’une communauté de figures et d’objets qui oscillent entre l’intimité tendre et la machine à rêves que suscitent les industries culturelles et le capitalisme. Depuis des décennies, l’adolescence a été forgée par la consommation, qui a poussé les jeunes à constamment valoriser leur image et à opérer une scénarisation de soi. Lena, c’est plutôt par les objets de plaisirs instantanés et régressifs (comme des jeux, des écrans de téléphone, des images de pop-culture ou de junkfood) que tu as voulu générer de nouvelles mythologies et une iconographie issue de l’adolescence, pour montrer les effets que ces images peuvent avoir sur nos comportements et agir sur nos corps, tant dans la sphère sociale que dans la sphère intime. La peinture du fauteuil-brioche croqué à pleines dents intervient comme le symbole d’une image qui nous consomme et que l’on digère. Pour toi, ces images sont-elles censées projeter nos identités et nos désirs communs ?

Lena Long: Je me pose souvent la question de savoir par quels canaux de représentation les pouvoirs viennent modeler nos intimités et nos corps à nos fantasmes. Je pense que c’est principalement par l’image. Mon travail s’ancre dans l’étude des formes de domination et de leurs symboles. Il me tient à cœur d’ancrer mes œuvres dans un contexte domestique et de son imagerie. En effet, les films, les attractions et le merchandising hollywoodien forment des économies, des mentalités et des modes de vie qui fondent une civilisation mondiale des désirs, dictent les attitudes, orientent les choix et enracinent les préjugés. Leur enchevêtrement dans de nombreuses sphères sociales les intègre dans le royaume de l’habitude et du routinier. La compression du monde et l’intensification de la conscience comme un tout oblige - selon moi- à l’observation de la vie quotidienne pour en analyser la globalisation des habitus. Mon registre est celui de formes qui s’inscrivent dans le consumérisme, la technologie et l’imaginaire du quotidien.

JDC: En effet, il y a dans vos œuvres une volonté d’aller au-delà d’une description du monde tel qu’il est, avec la mise en scène d’objets archétypaux et de situations particulières. Vous allez plutôt chercher ce qu’il y a de sous-jacent, puiser ce qu’il y a de profond dans l’adolescence, qui est un âge de transition transcendé par les contradictions. Amélie, j’ai l’impression que tu représentes l’environnement de tes personnages pour révéler leurs états-d ‘âmes. L’addition des sentiments qui apparaissent -mélancolie, douceur, sororité...- construit au fur et à mesure une sorte de conscience de soi et de conscience d’une génération.

JDC: Vous partez toutes deux de grands carnets, où sont répertoriés des images collectées, des situations qui se sont produites, des associations d’idées, des compositions particulières ou des assemblages de couleurs. Par ailleurs, vous maîtrisez, chacune à votre manière, le panneau de bois, Lena en le préparant avec du carbonate de calcium puis en y appliquant de l’huile sèche, à la manière de la fresque ; Amélie, en maîtrisant la technique de l’icône, qui consiste à graver le dessin sur du bois entoilé enduit de levkas [1] , puis à peindre par l’aplat de couches successives, des teintes les plus foncées aux couleurs les plus claires. Cette confrontation que vous opérez entre des techniques picturales ancestrales et une iconographie empruntée à la culture populaire et à l’inépuisable source d’internet, font la force de votre travail. Qu’est-ce que le dialogue entre ces techniques picturales si rigoureuses et les représentations de ces figures ou objets disent de votre travail?

Amélie Bigard: Ce sont dans les églises que j’ai admiré pour la première fois les icônes. C’est donc en dehors du cadre institutionnalisé des musées et des galeries que j’ai découvert, quand j’étais petite, ce qu’était l’art. J’ai très vite été émue devant cette imagerie religieuse. Je me suis interrogée sur son essence, sur sa technique, et c’est pour cela que j’ai voulu en faire l’apprentissage. Je me suis formée à la préparation du bois, puis à la gravure, à la peinture à l’œuf et au procédé pictural de montée en lumière, mais également à la perspective axonométrique et à la synthétisation des représentations. Je me retrouve dans la fausse simplicité de cette technique et l’impact donné aux personnages dont je veux parler par le dépouillement des clichés de ce qui fait une époque, comme les vêtements ou les marques par exemple.

LL: Au contraire, ce sont pour moi les images fabriquées par notre monde qui m’intéressent : la publicité, les emballages, le branding... comme les images orientent les choix et enracinent les préjugés, je me suis naturellement dirigée vers une peinture de l’image. La peinture figurative, à l’huile, et son accès culturellement plus aisé grâce à sa démocratisation me tiennent à cœur. J’ai la volonté de rendre cette pratique plus accessible et en faire un outil pour communiquer avec des publics moins sensibilisés aux formes artistiques.

JDC: Vous collaborez pour la première fois ensemble, avec la création d’une maquette et d’une poupée, réalisée par Laurence Ruet. Les personnages de vos tableaux se sont extraits du plan bidimensionnel. Comment en êtes-vous venues à ces objets et quelles places ont-ils désormais dans votre travail?

AB & LL: Nos pratiques de peintres s’affirment aussi avec un travail sur le support et avec une réflexion sur des gestes d’installation. Bien que de factures différentes, les tableaux et pièces en volume appartiendront au même registre que celui des autres œuvres. Nous aimerions que tableaux et maquettes se répondent comme une pièce de théâtre immobile. En tant que peintres, nous considérons ces gestes d’installation comme des gestes de peinture.

JDC: Walking u home! Cette injonction ambigüe oscille entre la proposition angoissante d’un homme aux mauvaises attentions, et l’attitude rassurante des femmes entre elles, marqueur d’une sororité sécurisante. Le titre de l’exposition rappelle que l’espace public est inégalement partagé entre les filles et les garçons, de la cour de récréation aux rames de métro. Mais dans le tumulte des images et des représentations des corps que porte votre génération, j’ai été apaisée de contempler chez vous une approche intime et douce de l’adolescence. Pégase est désormais au repos, après des siècles d’aventures célestes et d’énergie au combat. Le jeune homme au pantalon orange rêve, un avion en papier dans la main. J’ai voulu initier cette conversation entre vos deux univers parce qu’ils puisent dans une même force insouciante. Que pensez-vous de ce dialogue, et que vous inspire les œuvres de l’autre ?

AB & LL: Nous croyons l’une comme l’autre que nous n’avons pas d’approche « douce » de l’adolescence. Ce qui nous intéresse, c’est une tendresse pour nos sujets et une tendresse dans la façon de peindre. Mais cette période de la vie incarne aussi le seuil des violences - psychiques, économiques, sociales. Nous avons de vifs intérêts et des motifs communs que l’on traite très différemment, en se raccrochant à une histoire de la peinture et à diverses sources d’inspiration. Ayant grandies côté à côté, dans nos vies comme dans nos pratiques, nous avons des expériences qui se rejoignent et qui se retrouvent dans nos peintures, chacune avec sa retranscription propre.

1 - Le levkas est le nom usuel donné à l'enduit blanc du fond de l'icône composé de blanc de Meudon, de Troyes ou d'Espagne mélangé à de la colle sur lequel les couleurs offriront leur meilleure transparence.