Matthew Lutz-Kinoy

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Capitain Petzel is pleased to present Matthew Lutz-Kinoy’s first solo exhibition with the gallery, Bolero Bordello.

Lutz-Kinoy treats exhibitions like immersive architectures, positioning painting as backdrop and sculpture as spatial intervention. Often conceived as total environments, his works respond to a venue’s architecture and site-specificity, entwining sensual, silhouetted bodies with recurring ornamental motifs, vegetation and floral arabesques, references to art historical movements, from Expressionism and Art Nouveau to Rococo flourishes. His paintings also carry the carnal vitality of 18th-century traditions, with dynamic bodily forms, gestural brushwork and ethereal layers, coupled with an ability to traverse a transhistorical landscape. These sensuous environments can feel like entry points to alternative spaces of communion, where the synergy of historical ornament and abundance lingers in compositions that suspend urgency, acting as parts of an escapist practice. Pleasure, color, intimacy and motion are foregrounded, as Lutz-Kinoy cultivates spaces where existential and emotional possibilities can unfold, allowing alternative forms of freedom to surface. Working across painting, ceramics and performance, the artist develops a plural and cross-referential practice that draws on diverse historical lineages.

Lutz-Kinoy’s is a practice grounded in performance, marked by a fluid sense of movement and collective collaboration. In projects such as Filling Station at The Kitchen (2023), he re-staged a 1938 ballet as a live event that blended dance, music, and painting in real time. Similarly, his expansive ceramic productions, executed with skilled artists and artisans, transform making into a communal performance, where process and interaction are integral. For his exhibition at the gallery, he also welcomes the participation of his contemporaries, with written and performed contributions by the artists Isabel Lewis, Niall Jones and Price. A model of radical interdisciplinarity in the early 20th century, the Ballets Russes is a point of reference in the exhibition. Lutz-Kinoy re-imagines forms and symbols of a lineage where performance and visual spectacle merged. The works on view navigate towards the iconic and dramatic narratives of the historic company; flowers painted in human scale imagine Vaslav Nijinsky as an anthropomorphic thorned rose. And, as if lifted from the canvas, suspended paper lanterns painted with graphic floral iconography punctuate the gallery. Two painted canvases, each informed by the performance practices of Isabel Lewis and Niall Jones, reach floor to ceiling, segmenting the space into a metered rhythmic dramaturgy. These monumental paintings emphasize Lutz-Kinoy’s treatment of floors, walls and ceilings as active surfaces, creating a spatial dialogue that turns the show into an ephemeral setting. Bolero Bordello reflects Lutz-Kinoy’s interest in mirroring song structure within exhibition design. Taking inspiration from Maurice Ravel’s Boléro, originally choreographed by Bronislava Nijinska, the composition engages with the legacy of the Ballets Russes and the aftermath of Sergei Diaghilev’s creative and bordellic universe. Through its cyclical rhythm, sensual repetition, and collaborative ethos, Boléro reimagines the decadent theatricality and cross-disciplinary experimentation that defined Diaghilev’s epoch. In Lutz-Kinoy’s hands, this legacy becomes a spatial choreography.

Accustomed to the harsh breaks of modernity, it has become increasingly difficult to recognize forms that strive to weave connections and heal the fractures caused by disconnection. Echoing past moments when art forged unexpected alliances, such forms work to mend divides and renew a sense of shared continuity. The Ballets Russes’ legacy resonates today partly because it emerged from a Russia on the brink of revolution, when artists sought freedom of expression beyond state confines. Among its brightest figures was Vaslav Nijinsky, whose radical choreography and magnetic performances – preserved in part through the writings and later recollections of his daughter Kyra – embodied the troupe’s daring spirit. The company’s collaborations with composers like Igor Stravinsky, particularly the groundbreaking 1910 premiere of The Firebird, fused modernist music and dance into a new, electrifying form. In the current political climate, marked by censorship and geopolitical conflict, this history of cosmopolitan collaboration and artistic exile gains renewed urgency as a symbol of cultural openness and resistance to authoritarianism. Infused with a lyrical rhythm, Lutz-Kinoy’s use of historical ornament and material abundance interlace to form sensuous atmospheres that resonate with the Ballets Russes’ synthesis of dance, music, and visual art.

Matthew Lutz-Kinoy’s recent solo exhibitions include The Kitchen and Dia Beacon, New York; Cranford Collection, London; Museum Frieder Burda | Salon Berlin; Vleeshal, Middelburg; Le Centre d’édition Contemporaine, Geneva; Le Consortium, Dijon; Indipendenza, Rome; MoMA PS1, New York, among others. The artist’s work has also been featured in recent institutional group shows at Singer Laren Museum, Laren; Festival of Contemporary Creation, Toulouse; Luma Westbau, Zurich; Centre d’édition Contemporaine, Geneva; Z33, Hasselt; Aïshti Foundation, Beirut; Centro de Creación Contemporánea de Andalucía, Córdoba; Tanzhaus Zürich, Zurich; Musée d’Art Moderne de Paris, Paris; Geneva Sculpture Biennial, Geneva; Kunsthalle Zürich, Zurich; Musée régional d’art Contemporain, Sérigan; FRAC Nouvelle-Aquitaine MÉCA, Bordeaux; Sharjah Biennial, Sharjah; and Whitney Museum of American Art, New York.

Collections include ADN Collection, Aïshti Foundation, Collection Consortium Museum, Cranford Collection, FRAC Nouvelle-Aquitaine MÉCA, Homestead Museum, Kadist Foundation, Musée d’Art Moderne de Paris, Rennie Collection, S.M.A.K., Syz Collection, TBA21, and The Ekard Collection.

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Capitain Petzel freut sich, Bolero Bordello anzukündigen, Matthew Lutz-Kinoys erste Einzelausstellung in der Galerie.

Lutz-Kinoy versteht Ausstellungen als immersive Architekturen, in denen Malerei als Kulisse und Skulptur als räumliche Intervention positioniert werden. Häufig als Environments konzipiert, reagieren seine Arbeiten auf die Architektur des Ausstellungsortes und dessen spezielle örtliche Begebenheiten. Sie verweben sinnliche, silhouettenhafte Körper mit wiederkehrenden ornamentalen Motiven, Vegetation und florale Arabesken, Referenzen auf kunsthistorische Strömungen – von Expressionismus und Art Nouveau bis hin zu Rokoko-Verzierungen. Seine Gemälde tragen zudem die leibliche Vitalität des 18. Jahrhunderts in sich: Dynamische Körperformen, gestische Pinselführung und ätherische Schichten verbinden sich mit einer Fähigkeit, transhistorische Landschaften zu durchqueren. Diese sinnlichen Umgebungen erscheinen wie Eingänge zu alternativen Räumen von Gemeinschaft, in denen die Synergie von historischem Ornament und Überfluss in Kompositionen nachhallt, die Dringlichkeit aussetzen und als Teil einer eskapistischen Praxis fungieren. Lust, Farbe, Intimität und Bewegung stehen im Vordergrund, während Lutz- Kinoy Räume kultiviert, in denen existentielle und emotionale Möglichkeiten aufscheinen und alternative Formen von Freiheit Gestalt annehmen können. Mit seiner Arbeit zwischen Malerei, Keramik und Performance entwickelt der Künstler eine plurale, querverweisende Praxis, die sich auf vielfältige historische Abstammungslinien stützt. Lutz-Kinoys Praxis ist in der Performance verwurzelt und geprägt von einem fließenden Sinn für Bewegung und kollektiver Zusammenarbeit. In Projekten wie Filling Station im The Kitchen (2023) inszenierte er ein Ballett von 1938 als Live-Ereignis neu, das Tanz, Musik und Malerei in Echtzeit verband. Ebenso verwandelt seine umfassende keramischen Praxis, gemeinsam ausgeführt mit Künstler:innen und Kunsthandwerker:innen, den Herstellungsprozess in eine kollektive Performance, in der Prozess und Interaktion integrale Bestandteile sind. Für seine Ausstellung in der Galerie begrüßt er auch die Teilnahme seiner Zeitgenossen: mit schriftlichen und performativen Beiträgen der Künstler:innen Isabel Lewis, Niall Jones und PRICE. Als Modell radikaler Interdisziplinarität im frühen 20. Jahrhundert dienen die Ballets Russes als Referenzpunkt der Ausstellung.

Lutz-Kinoy imaginiert Formen und Symbole einer Tradition neu, in der Performance und visuelles Spektakel verschmolzen. Die ausgestellten Werke bewegen sich hin zu den ikonischen und dramatischen Narrativen dieses historischen Ensembles: Blumen im menschlichen Maßstab lassen Vaslav Nijinsky als anthropomorphe, dornige Rose erscheinen. Und wie aus der Leinwand herausgehoben, durchziehen bemalte Papierlaternen mit grafischen Blumenmotiven die Galerie. Zwei bemalte Leinwände, jeweils inspiriert von den performativen Praktiken von Isabel Lewis und Niall Jones, reichen vom Boden bis zur Decke und gliedern den Raum in eine metrische, rhythmische Dramaturgie. Diese monumentalen Gemälde betonen Lutz-Kinoys Betrachtung von Böden, Wänden und Decken als aktive Oberflächen und schaffen einen räumlichen Dialog, der die Ausstellung in ein ephemeres Setting verwandelt. Bolero Bordello zeugt von Lutz-Kinoys Interesse daran, die Struktur von Liedern in Ausstellungsdesigns widerzuspiegeln. Inspiriert von Maurice Ravels Boléro, ursprünglich choreographiert von Bronislava Nijinska, bezieht sich die Komposition auf das Vermächtnis der Ballets Russes und das Nachleben von Sergei Djagilevs kreativem, geradezu bordellhaften Universum. Durch seinen zyklischen Rhythmus, durch sinnliche Wiederholung und kollaborativen Ethos denkt Boléro die dekadente Theatralik und das spartenübergreifende Experiment, die Djagilevs Epoche prägten, neu. In Lutz-Kinoys Händen wird dieses Erbe zu einer räumlichen Choreografie.

Vertraut mit den harten Brüchen der Moderne, fällt es zunehmend schwer, Formen zu erkennen, die Verbindungen knüpfen und die durch Entfremdung verursachten Frakturen heilen wollen. In Anlehnung an vergangene Momente, in denen Kunst unerwartete Allianzen schmiedete, tragen solche Formen dazu bei, Gräben zu überbrücken und ein Gefühl gemeinsamer Kontinuität zu erneuern. Das Vermächtnis der Ballets Russes hallt bis heute nach, weil es aus einem Russland am Rande der Revolution hervorging, als Künstler:innen nach Ausdrucksfreiheit jenseits staatlicher Grenzen suchten. Einer ihrer herausragendsten Protagonisten war Vaslav Nijinsky, dessen radikale Choreografien und fesselnde Auftritte – teilweise überliefert durch die Schriften und späteren Erinnerungen seiner Tochter Kyra – den kühnen Geist der Truppe verkörperten. Die Zusammenarbeit der Kompanie mit Komponisten wie Igor Strawinsky, insbesondere die bahnbrechende Uraufführung des Feuervogels 1910, verschmolz moderne Musik und Tanz zu einer neuen, elektrisierenden Form. Im aktuellen politischen Klima, das von Zensur und geopolitischen Konflikten geprägt ist, gewinnt diese Geschichte kosmopolitischer Zusammenarbeit und künstlerischen Exils neue Dringlichkeit als Symbol für kulturelle Offenheit und Widerstand gegen Autoritarismus. Durchzogen von einem lyrische Rhythmus, verflechten sich Lutz-Kinoys Einsatz von historischem Ornament und materieller Fülle zu sinnlichen Atmosphären, die mit der Synthese aus Tanz, Musik und Bildender Kunst der Ballets Russes in Resonanz treten.