Paul Sietsema

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"I like the idea [of] an artwork turning in on itself; relying on an economy of image making, depiction, representation."

—Paul Sietsema, 2021

Marian Goodman Gallery Paris is pleased to present the first major solo exhibition by Paul Sietsema in France. The exhibition, also the first by the artist at the gallery, will feature painted works and 16mm films. Drawing its inspiration from socio economic and aesthetic systems, Sietsema’s practice explores the possibilities of materials and develops new approaches to image-making. Alternating between analog and digital processes, Sietsema employs existing imagery, borrowed from the visual arts, or found objects as a starting point to create unique pictorial compositions where representation and materiality are often interlaced.

On the ground floor of the gallery will be a curated selection of eight new paintings and one drawing from different series. Four of the works derive from Sietsema’s long-time interest in ‘currency’ as aesthetic and symbolic objects that extend a system of power. Two of the paintings are abstract: the original pictorial layer of two anonymous paintings bought at small auctions is mostly removed; depictions of torn dollar bills are added that simultaneously exhibit destructive and decorative qualities. Sietsema explains: “A bill is torn and dropped onto a scanner bed to record its new image-form, which is then transferred to the found painting. This is an act of subtle transformation that turns an ornate print with a simple relationship to its assigned value into a work of art with a more complicated relationship to value.”

Consider Vertical Coin Game (2021) and Vertical Newspaper (Modern British & Irish Art) (2021), for example, where dollar coins were used to move paint on a surface. “The geometric bodies of the coins moving against the rectangular edge of the canvas create a simple game of composition. The questionable painterly acts of composing and resting on the material qualities of paint to instill meaning are insinuated,” Sietsema notes of the former. In the latter, coins and paint are mixed and the combination is thrown like dice. The resulting shape obscures the image of a sculpture—a figure at rest by Henry Moore—reproduced in a newspaper ad for an auction house.

‘The figure at rest’ is a motif that can also be seen in two of Sietsema’s paintings, each modeled on a work by Pablo Picasso. In these paintings, ‘the figure at rest’ is discordant with the complex process behind the work. “I’m interested in the way image production has become an almost effortless task with digital media and platforms; a kind of leisure activity,” Sietsema said. “My work involves much labor and handwork but has many of its origins in digital processes and related ideas.”

Exhibition posters created to mark the occasion of a gift of Picasso’s works to France in the 1990’s served as inspiration for several of Sietsema’s works in the exhibition. While Last Painting (2021) is a more precise replica of one of these fictionalized posters, which displays what was presumably the last landscape painted by Picasso, Sietsema transforms The Embrace (2022) and Black Picasso (2022) into a variant of the monochrome using a digital masking technique.

“I use the color of the design element in a poster (in this case the text) to create a mask for the rest of the image, which is first painted in its entirety. The action is meant to quiet the image, and perhaps slow or stop its original function like a canceled stamp on a letter. The selection of the areas of color to be masked is done piecemeal, using digital tools on a digital image as part of the process, and results in gutters being left somewhat exposed, and other areas too that are not caught in the net of the selection tool. These vestiges of the process make up the final image.”

Black Phone Painting (2022), in enamel on linen, belongs to a series of paintings where Sietsema depicts rotary dial telephones: “The phone paintings are painted from images of phones with paint poured on them. So paint is the thing being depicted-and the image is inscribed with the same paint that is being depicted.” For Sietsema these phones reflect the ambiguity of communication itself. “These images I paint can be seen as communicating or not-they are open lines of communication, a connection between myself and someone experiencing the painting or perhaps they are off the hook-mute-a truncated line of communication that leaves them staring at an inert object.”

On view in the lower gallery will be two of Sietsema’s analog films: At the hour of tea (2013) and Abstract Composition (2014). As with many of his films, the works investigate the relationship between object and text. The 16mm color film, At the hour of tea, is composed of five distinct sequences featuring various anachronistic objects, often related to work, resting on desktops: silver coins, Roman glassware, a leatherette inbox and camera, an envelope, and a typewriter. Interspersed throughout the contemplative film is a typewritten text that describes a historical painting in modernist terms, supplanting first-hand experience with an authorial description. In the film, Abstract Composition, a colorless sign rotating in space systematically displays descriptions of objects for sale culled by the artist from auction sites and catalogs.

Paul Sietsema (b. 1968, California) lives and works in Los Angeles. He graduated from the University of California, Los Angeles (1999) and the University of California, Berkeley (1992). Solo exhibitions of Sietsema’s work have been organized by many institutions: the Museum of Contemporary Art (MCA) Denver; the Nouveau Musée National de Monaco (NMNM); the Museum of Contemporary Art (MCA) Chicago; the Wexner Center for the Arts in Columbus, Ohio; the Kunsthalle Basel; the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) in Madrid; the Museum of Modern Art (MoMA) in New York; the San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA); and the Whitney Museum of American Art in New York.

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« J'aime l'idée [d'] une œuvre d'art qui se replie sur elle-même, qui repose sur une économie de la fabrication d'images, de la figuration, de la représentation. »

—Paul Sietsema, 2021

La Galerie Marian Goodman à Paris a le plaisir de présenter la première grande exposition personnelle de Paul Sietsema en France. Cette première présentation de l'artiste à la galerie inclut des œuvres picturales et deux films 16mm. L'approche de Sietsema en matière de création d'images s'inspire des systèmes socio-économiques et esthétiques. Alternant entre procédés analogiques et numériques, Sietsema utilise le plus souvent une imagerie préexistante empruntée aux arts visuels ou bien des objets trouvés comme point de départ pour créer des compositions picturales uniques où représentation et matérialité s’entremêlent.

Au rez-de-chaussée de la galerie est présentée une sélection de huit nouvelles peintures et un dessin issus de séries distinctes. Quatre œuvres émanent de l'intérêt que Sietsema porte depuis longtemps à la "monnaie" en tant qu'objet esthétique et symbolique qui prolonge un système de pouvoir. Deux peintures abstraites ont été réalisées à partir de tableaux anonymes achetés en vente aux enchères. La couche picturale originelle desdits tableaux a été en grande partie retirée, des représentations de billets de banque déchirés ont été ajoutées autant pour leur aspect détruit que décoratif. Sietsema explique : « Un billet déchiré est déposé sur la vitre d'un scanner qui enregistre sa nouvelle forme, celle-ci est ensuite apposée sur le tableau « trouvé ». Il s'agit d'un acte de transformation subtil qui convertit un billet ayant une relation directe avec sa valeur en une œuvre d'art ayant une relation plus complexe avec la valeur qui lui est attribuée. »

Dans Vertical Coin Game (2021) et Vertical Newspaper (Modern British & Irish Art) (2021), ce sont des dollars en pièces de monnaie qui ont été utilisées comme outils pour appliquer la peinture sur le support. « Les corps géométriques des pièces de monnaie qui se déplacent contre le bord rectangulaire de la toile créent un jeu de composition simple. Sont sous-entendus, le caractère discutable de l’acte de composition picturale, et le fait de s’appuyer sur les qualités matérielles de la peinture pour faire sens » note Sietsema à propos de la première œuvre. Dans la seconde, pièces de monnaie et peinture ont été amalgamées et l’ensemble lancé comme des dés. La forme qui en résulte dissimule l'image d'une sculpture - une figure au repos de Henry Moore - reproduite sur une publicité pour une maison de vente aux enchères parue dans le journal.

La « figure au repos » est un motif que l'on retrouve également dans deux autres peintures de Sietsema, chacune inspirée d'une œuvre de Pablo Picasso. « La figure au repos » s’oppose au processus complexe qui sous-tend l'œuvre. « Je m'intéresse à la façon dont la production d'images est devenue une tâche presque dénuée d’effort à l’heure des médias et des plateformes numériques ; une sorte de loisir » a déclaré Sietsema. « Mon travail implique une quantité non- négligeable de labeur et de travail manuel, mais tire son origine des processus numériques et des idées qui en découlent. »

Des affiches d'exposition créées à l'occasion d'une dation d'œuvres de Picasso à la France dans les années 1990 ont servi d'inspiration à plusieurs œuvres de l'exposition. Tandis que Last Painting (2021) est une réplique relativement fidèle de l'une de ces affiches fictives, présentant ce qui était vraisemblablement le dernier paysage peint par Picasso, Sietsema transforme The Embrace (2022) et Black Picasso (2022) en versions monochromes en utilisant une technique de masquage numérique.

« J'utilise la couleur de l'élément constitutif du design d'une affiche (dans ce cas, le texte) pour créer un masque pour le reste de l'image, qui est d'abord recouverte dans son intégralité. Cette action a pour but de faire taire l'image, et peut-être de lui faire perdre ou d’annuler sa fonction initiale, comme un timbre oblitéré sur une lettre. La sélection des zones de couleur à masquer se fait graduellement, à l'aide d'outils numériques sur une image digitale, et il en résulte que les « gouttières » sont quelque peu exposées, ainsi que d'autres zones de travail que l'outil de sélection ne capture pas. Ces vestiges du processus constituent l'image finale. »

Black Phone Painting (2022), réalisée en laque sur lin, appartient à une série de peintures représentant des téléphones à cadran rotatif : « Les peintures de téléphone sont peintes à partir d'images de téléphones sur lesquels de la peinture a été versée. La peinture est donc la chose représentée - et l'image est obtenue avec le même type de peinture qui est représentée. » Pour Sietsema, ces téléphones reflètent l'ambiguïté de la communication elle-même. « Ces images que je peins peuvent être considérées comme communicantes ou non - ce sont des lignes de communication ouvertes, une connexion entre moi et quelqu'un qui fait l'expérience de la peinture, ou peut-être ces lignes sont déconnectées - une ligne de communication tronquée qui laisse le visiteur devant un objet inerte. »

Au niveau inférieur de la galerie sont projetés deux des films analogiques de Sietsema : At the hour of tea (2013) et Abstract Composition (2014). Comme nombre de ses films, ces œuvres interrogent la relation entre objet et texte. Le film couleur 16 mm, At the hour of tea, est composé de cinq séquences distinctes mettant en scène divers objets anachroniques, souvent liés au travail, reposant sur des bureaux : des pièces d'argent, de la verrerie romaine, un étui en similicuir et un appareil photo, une enveloppe et une machine à écrire. Les images contemplatives sont entrecoupées d'un texte dactylographié qui décrit une peinture historique en termes modernistes, remplaçant l'expérience directe par une description d'auteur. Dans le film Abstract Composition, un panneau incolore effectue une rotation et affiche méthodiquement des descriptions d'objets à vendre que l'artiste a extraites de sites et de catalogues de vente aux enchères.

Paul Sietsema est né en 1968 en Californie, il vit et travaille à Los Angeles. Il est diplômé de l'Université de Californie à Los Angeles (1999) et de l'Université de Californie à Berkeley (1992). Des expositions personnelles de son œuvre ont été organisées par de nombreuses institutions telles que le Museum of Contemporary Art (MCA) de Denver, le Nouveau Musée National de Monaco (NMNM), le Museum of Contemporary Art (MCA) de Chicago, le Wexner Center for the Arts de Columbus dans l’Ohio, la Kunsthalle de Bâle, le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) de Madrid, le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, le San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), et le Whitney Museum of American Art de New York.