Timothy Curtis

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Almine Rech Gallery is proud to present Self Watering Flowers, a Paris solo show by Timothy Curtis, his first with the gallery.

“I’m getting to a place where I can feel free,” the self-taught artist said during a studio visit, “and I’m making the best work I can make.”

Freedom and its opposite are very concrete for the Philadelphia native, who was in state prison from 2008 to 2015. He made the best of his time, studying art history and involved with a mural painting program. Curtis was previously a graffiti artist, and while his new works may not obviously resemble graffiti-style imagery, the work is connected to that tradition via a seemingly unlikely link with another art form.

In accounting for the origins of Philadelphia graffiti writing, which he describes as “identifiable across the whole planet,” he connects its characteristic style with the tradition of Pennsylvania stoneware, which, along with cobalt blue renditions of a “man in the moon” motif, frequently features images of tulips that are, it struck the artist, stylized in a manner similar to the way Philadelphia graffiti writers treat text.

And why not, he thought? Pennsylvania stoneware is ubiquitous in the region, and the originators of Philadelphia graffiti surely saw it all around them. The artist himself feels a personal link to the tradition: the Remmey stoneware-making family came from the neighborhood of Kensington, where the artist spent part of his childhood.

Curtis has lately built a substantial collection of such stoneware; a room in his studio is lined with examples. He thus surrounds himself with what he feels is a key to graffiti art, which in turn has been massively influential on contemporary artists. And the City of Brotherly Love is key to the art form’s history, he maintains: “Philadelphia graffiti was already going on for fifteen years before Basquiat and Haring.”

What’s more, he says, considering that the Pennsylvania stoneware artists were drawing on European art and craft traditions, he is, in turn, pleased to bring works inspired by this unique American tradition back to Europe in this show.

The “starting point and guiding light for the exhibition,” says Curtis, is the painting House of Tomorrow, which features man in the moon and tulip motifs in cobalt blue and is framed with recycled wood from a Philadelphia row house. It pays tribute to his daughter Nassia and her mother Haelinn, whose birthdays occur during the month of the exhibition. At the time of Nassia’s birth, Haelinn gave him Khalil Gibran’s book The Prophet, which includes the poem On Children, featuring the lines, “Your children are not your children. / They are the sons and daughters of Life’s longing for itself. / They come through you but not from you, / And though they are with you yet they belong not to you.” And perhaps they live in the house of tomorrow.

As his daughter begins college and Curtis looks forward to a possible end to his time on parole, this show marks a bright chapter, symbolized by the notion of a self-watering flower: a self-nourishing thing of beauty. Bright faces continue a longstanding motif of Curtis’s inspired by the smiley motif, created by arist Harvey Ross Ball but popularized by Philadelphia brothers Bernard and Murray Spain. Here, they also refer to the stoneware man in the moon.

Past works have dealt with much darker themes. Kensington has been hit hard by the opioid epidemic, and the artist’s brother died from opioids in prison. Pills and pill bottles have been a frequent motif. Juxtapoz magazine described his 2020 Armory Show presentation as “a personal Guernica of the opioid crisis and the corruption of our prison system.” Bicycles, a symbol of freedom, have appeared often, but frequently were damaged or locked up, and thus denied movement. Along with tally marks and prison bars, they alluded to his time in confinement.

Even while on parole, Curtis has forged an impressive early career. He has had solo exhibitions at Takashi Murakami’s Kaikai Kiki Hidari Zingaro, Tokyo, and Albertz Benda, New York. He has appeared in group exhibitions including “The Pencil is a Key: Drawings by Incarcerated Artists,” at the Drawing Center, New York; “Coney Island is Still a Dreamland (To a Seagull)” at the Brooklyn Museum; and “Negotiating Grids” at the Pennsylvania Academy of Fine Arts, Philadelphia. In 2023, he appears in “Echoes of Picasso” at the Museo Picasso Málaga, Andalusia, Spain; “City as Studio curated by Jeffrey Deitch” at K11, Hong Kong; and “Beyond the Streets,” Saatchi Gallery, London. His drawing practice is highlighted in Claire Gilman and Roger Malbert’s new book Drawing in the Present Tense (Thames & Hudson), and in 2024, he will open a solo show at Atlanta Contemporary.

—Brian Boucher

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La galerie Almine Rech a le plaisir de présenter Self Watering Flowers, exposition personnelle de Timothy Curtis, sa première à la galerie parisienne.

‘J’ai atteint une étape de ma vie où je peux enfin me sentir libre’, explique l’artiste autodidacte lors d’une visite de son atelier, ‘et mon travail n’a jamais été aussi bon’.

La liberté et son contraire sont des concepts très concrets pour ce natif de Philadelphie, incarcéré de 2008 à 2015. Il a mis à profit sa peine de prison pour étudier l’histoire de l’art et participer à un programme de fresques murales. Curtis était à l’origine graffeur : même si son travail actuel ne présente pas de lien évident avec le style du graffiti, on y retrouve des aspects de cet art à travers le rapport apparemment improbable qu’il entretient avec une toute autre forme d’expression.

Lorsqu’il évoque les origines du graffiti writing à Philadelphie, qu’il décrit comme ‘reconnaissable partout dans le monde’, il ne manque pas de rapprocher son style caractéristique avec la poterie en grès traditionnelle de Pennsylvanie. Connue pour ses déclinaisons bleu cobalt du motif de ‘l’homme dans la lune’, elle figure souvent des images de tulipes qui sont, selon l’artiste, tracées de façon comparable aux textes des graffeurs de Philadelphie.

Et pourquoi pas, après tout ? Le grès de Pennsylvanie est omniprésent dans la région, et les créateurs du graffiti de Philadelphie l’ont sûrement vu tout autour d’eux. L’artiste lui-même ressent un lien personnel avec cette tradition : les potiers de la famille Remmey sont en effet originaires du quartier de Kensington, où Curtis a passé une partie de son enfance.

Curtis a récemment assemblé une importante collection de ces poteries : une pièce entière de son atelier est consacrée à les exposer. Il s’entoure ainsi de ce qu’il considère comme l’une des clés de compréhension de l’art du graffiti, qui à son tour a considérablement influencé les artistes contemporains. Selon lui, la Cité de l’amour fraternel est au cœur de l’histoire de cette forme d’expression : ‘Le graffiti de Philadelphie existait déjà quinze ans avant Basquiat ou Haring’, rappelle-t-il.

Et il ajoute que si l’on considère que les potiers de Pennsylvanie ont fortement puisé dans les traditions artistiques et artisanales européennes, il est à son tour particulièrement heureux de pouvoir rapporter en Europe des œuvres inspirées de cette tradition américaine si particulière.

Le ‘point de départ et le fil rouge de l’exposition’, explique Curtis, est le tableau House of Tomorrow, avec ses motifs bleu cobalt de l’homme dans la lune et de tulipes et son cadre en bois récupéré dans une maison de ville typique de Philadelphie. L’œuvre rend hommage à sa compagne Haelinn et à leur fille Nassia, dont les anniversaires surviennent au cours du mois que dure l’exposition. À la naissance de Nassia, Haelinn lui avait offert Le Prophète de Khalil Gibran, qui comprend le poème Sur les enfants, avec les vers suivants : Vos enfants ne sont pas vos enfants. / Ils sont les fils et les filles du désir de la Vie pour elle-même. / Ils passent par vous mais ne viennent pas de vous, / Et bien qu’ils soient avec vous, ils ne vous appartiennent pas. Peut-être habitent-ils dans cette Maison de demain.

À un moment où sa fille entame ses études à la fac, et alors que Curtis lui-même entrevoit avec impatience la fin de sa liberté conditionnelle, cette exposition ouvre un nouveau chapitre plus rayonnant, symbolisé par l’idée d’une fleur auto- arrosée, objet de beauté qui se nourrit de lui-même. Depuis longtemps présents dans le travail de Curtis, ces visages rayonnants trouvent leur inspiration dans le motif du smiley, créé par l’artiste Harvey Ross Ball mais popularisé par les frères Bernard et Murray Spain, eux aussi originaires de Philadelphie. On y retrouve également l’influence de l’homme dans la lune des poteries.

Le travail passé de Curtis traitait de thèmes beaucoup plus sombres. Le quartier de Kensington a beaucoup souffert de l’épidémie d’opioïdes, et le frère de l’artiste est décédé en prison de ses suites. Les pilules et flacons de pilules y sont un motif fréquent. Le magazine Juxtapoz décrit sa présentation à l’Armory Show de 2020 comme ‘un Guernica personnel de la crise des opioïdes et de la dégradation de notre système carcéral’. Le vélo, symbole de liberté, y apparait souvent, mais généralement cassé ou cadenassé, donc interdit de mouvement. Graffitis carcéraux et barreaux de cellule font aussi allusion à son séjour en prison.

Alors même qu’il n’est qu’en liberté conditionnelle, Curtis connaît un début de carrière impressionnant, avec des expositions solo au Kaikai Kiki Hidari Zingaro de Takashi Murakami, à Tokyo, et chez Albertz Benda, à New York. Il a participé à des expositions collectives, notamment The Pencil is a Key : Drawings by Incarcerated Artists, au Drawing Center de New York, Coney Island is Still a Dreamland (To a Seagull) au Brooklyn Museum, ou Negotiating Grids à la Pennsylvania Academy of Fine Arts de Philadelphie. En 2023, il figurera dans The Echoes of Picasso au Musée Picasso de Málaga, City as Studio curated by Jeffrey Deitch à K11, Hong Kong, et Beyond the Streets, à la Saatchi Gallery de Londres. Sa pratique du dessin est mise en lumière dans le récent ouvrage de Claire Gilman et Roger Malbert, Drawing in the Present Tense (Thames & Hudson), et une nouvelle exposition personnelle est prévue à l’Atlanta Contemporary en 2024.

—Brian Boucher