Johanna Dumet

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With her views of meticulously arranged dishes, seemingly randomly arranged harvested fruit and flowers, Johanna Dumet pursues a strategy with great passion: she transfers the old genre of the still life into contemporary art. Characteristic of the French artist’s painting is colourful depiction, which is not committed to realism but rather to narrative, the freedom of composition and the intuitive design of the pictorial space.

An introductory exhibition of her work in the lower rooms of the gallery shows that she has been working on this topic for several years with ever new pictorial ideas and concepts. A selection of her early still lifes traces the path that Dumet has taken since her first still life, painted in 2017. The paintings in these rooms are important works from her artistic development and are now in private collections and the artist’s own collection.

The snapshots in these pictures, realised as paintings and partly as collages, show laid tables with numerous details such as used cutlery or still-smoking cigarettes, which indicate that a group sat together here. In her depictions of meals and what remains of them, Dumet fills what in 17th- century still lifes was enriched with symbolism that was understood at that time, with associations, experiences and memories of interpersonal encounters.

Her twelve-part painting Everyone Wants a Piece of It and the concept on which it is based suggest that she is also concerned with individual participation in community. The artist has conceived the subject, a large table set with all kinds of delicious and exotic dishes in bold, predominantly pink colours, as a monumental painting six metres wide. However, only one of the twelve segments into which she has divided the motif can be acquired, just as each guest only takes home their part of the feast, their conversations, their thoughts and memories.

The focus of the exhibition on the first floor of the gallery is on Dumet’s recent flower paintings. In this new take on a chapter of art and cultural history, she also emphasises the everyday nature and reduced simplicity of the motifs in her depictions. A diversity can be seen here, a diversity of species, but not least also the multifaceted nature of the painterly exploration of the theme and the integration of the pictures into the architecture of the gallery and the exhibition situation.

Johanna Dumet does not show bouquets of expansive splendour or particularly floriferous arrangements. In the first room, the visitor encounters one hundred and eighty framed flower pictures. Hung in a strict grid as a block, they fill an entire wall. They are wildflowers, painted on paper in small formats. Each sheet shows stems, leaves and blossoms against a coloured background, with a different coloured line at the bottom in which Dumet has written the French name (usually the technical term) in freehand.

This presentation is also remarkable in its dimensions and colourful presence because wildflowers are plants that are traditionally considered less presentable or worthy of depiction, as they are less regarded as classic cut flowers and hardly more as weeds. The structure is reminiscent of a botanical picture atlas, but there is more to it than that: each individual picture, as well as the installation as a whole, bears the title Bouquet impossible, which in the art world refers to the depiction of illusionary bouquets, of flowers that are never in bloom at the same time. The ’bouquet‘ here is the wall-filling arrangement in the exhibition space, which in this way Dumet discreetly incorporates into her concept.

This is also the case with the frieze-like band that runs along the walls in the next room, not omitting the window front. The large-format paintings are lined up closely together and show flower arrangements in vases, classic subjects of the floral still life. They are sometimes painted on canvas in pastel shades, but mostly in bold, high-contrast colours. The colour compositions fill the picture space and create a dense, almost installation-like work in the room. Details allow individual flowers to emerge vividly; however, the flatness of the vases and the partially visible furniture predominates and, as in Dumet’s early still lifes, is a selective simplification that never reaches the point of abstraction.

There is no doubt that the figurative approach remains decisive for the picture, and it is possibly the source of an interesting development in terms of the viewer’s attitude towards the flowers: Dumet sometimes succeeds in personifying the plants in a surprising way, for example in the ‘forgotten artichoke’ (L’Artichaud oublié), which sprouts blossoms – out of despair or because it is finally allowed to flourish in peace. The same applies to the field marigold, which is only a few centimetres small in reality: the artist has made it so large that one of the walls is full height and this alone takes up the entire room. Do You See Me Now? is the title and may be the demanding exclamation of the now gigantic plant, which otherwise receives no attention.

In the group of works La Fête est finie, Dumet introduces another narrative element – in the subject itself, but also through the selection and combination of materials. In the middle ground of each of these works, the silhouette of a vase of flowers rises to fill the picture in front of a coloured surface. Applied to this, as if in a free movement, are coloured porcelain discs, mostly circular, some with partially circular recesses.

The title of the work indicates that the party is over. The glazed porcelain is confetti, some with typical ‘missing punches’. The festive occasion to which they are brought is also the end of the now cut flowers; for them the party would now be over. However, these flowers are decorated with confetti and colours and remain full of life beyond this final celebration. Dumet links this realisation of her expanded thoughts on the traditional vanitas theme with a detail of her biography: the porcelain that she incorporates here as a design element in her painting is familiar to her from her childhood in her home region of Limoges.

Her poetic and almost Fauvist style of palette can be seen both in the powerful individual depictions and in the serial compositions, in which each flower becomes the protagonist. The secret life of the flowers, which the artist names with the title of the exhibition, is the one that she invents for them. And so it is ultimately more than nature morte, dead nature, as the French term for still life claims. Johanna Dumet tells of this life in many stories with the overwhelming energy of her painting, and yet succeeds in preserving mystery.

Johanna Dumet was born in Guéret, France, in 1991. She started painting at an early age, but first studied arts and crafts in La Souterraine, near her birthplace, and then fashion design in Marseille before returning to painting. She recently took up a residency with Manuel Wroblewski at the CCA Andratx, Mallorca. Dumet's work is represented in numerous private and public collections, including the Buxton Contemporary Art Museum, Melbourne, Australia; the Hall Art Foundation, Derneburg, Germany; the Kistefos Museum, Jevnaker, Norway; and the art collection of the German Bundestag. Johanna Dumet lives in Berlin.

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Mit Ansichten akkurat angerichteter Speisen, wie zufällig arrangierter Erntefrüchte und Blumen folgt Johanna Dumet mit großer Leidenschaft einer Strategie: Sie führt das alte Genre des Stilllebens über in die zeitgenössische Kunst. Kennzeichnend für die Malerei der französischen Künstlerin ist die farbintensive Darstellung, die sich keinem Realismus verpflichtet fühlt sondern vielmehr der Erzählung, der Freiheit der Komposition und der intuitiven Gestaltung des Bildraums.

Dass sie mit immer neuen Bildideen und Konzepten bereits seit einigen Jahren an diesem Thema arbeitet, zeigt eine einführende Werkschau in den unteren Räumen der Galerie. Eine Auswahl ihrer frühen Stillleben zeichnet den Weg nach, den Dumet seit ihrem ersten Stillleben, das sie 2017 gemalt hat, genommen hat. Die Bilder in diesen Räumen sind bedeutende Werke ihrer künstlerischen Entwicklung und befinden sich heute in Privatsammlungen und der Sammlung der Künstlerin.

Die Momentaufnahmen in diesen Bildern, als Malerei und zum Teil als Collagen umgesetzt, zeigen gedeckte Tische mit zahlreichen Details wie etwa benutztes Geschirr oder noch qualmende Zigaretten, die darauf hinweisen, dass hier eine Gemeinschaft beisammensaß. Was in Stillleben des 17. Jahrhunderts mit damals noch verstandener Symbolik angereichert war, füllt Dumet bei ihren Darstellungen der Mahlzeiten und dessen, was davon übrigbleibt, mit Assoziationen, Erfahrungen und Erinnerungen an zwischenmenschliche Begegnungen.

Dass es ihr auch um die individuelle Teilhabe an der Gemeinschaft geht, legt ihr zwölfteiliges Gemälde Everyone Wants a Piece of It und das ihm zugrunde liegende Konzept nahe. Die Künstlerin hat das in kräftigen, überwiegend rosaroten Farbtönen gehaltene Motiv, eine große Tafel, gedeckt mit allerlei köstlicher und exotischer Speisen, als ein monumentales Bild von sechs Metern Breite konzipiert. Zu erwerben ist jedoch jeweils nur eines der zwölf Segmente, in die sie das Motiv zerteilt hat, so wie auch jeder Gast nur seinen Teil des Festmahles, seine Gespräche, seine Gedanken und Erinnerungen mit nach Hause nimmt.

Den Schwerpunkt der Ausstellung bilden im ersten Obergeschoss der Galerie Dumets Blumendarstellungen, die in jüngster Zeit entstanden sind. Auch in diesem, erneuten Aufgriff eines Kapitels der Kunst- und Kulturgeschichte betont sie in ihren Darstellungen die Alltäglichkeit und reduzierte Einfachheit der Motive. Hier ist eine Vielfalt zu sehen, eine Vielfalt der Arten, nicht zuletzt aber auch der Facettenreichtum der malerischen Auseinandersetzung mit dem Thema und der Einbindung der Bilder in die Architektur der Galerie und der Ausstellungssituation.

Johanna Dumet zeigt keine Bouquets von ausladender Pracht oder besonders blütenreiche Arrangements. Im ersten Raum trifft der Besucher auf hundertachtzig gerahmte Blumenbilder. Im strengen Raster als Block gehängt, füllen sie eine ganze Wand aus. Es sind Wildblumen, gemalt auf Papier in kleinen Formaten. Jedes Blatt zeigt Stiel, Blätter und Blüten vor farbigem Hintergrund, und jeweils am unteren Rand eine andersfarbige Zeile, in der Dumet den französischen Namen (meist ist es der Fachterminus) mit freier Hand geschrieben hat.

Diese Präsentation in ihren Ausmaßen und ihrer farbgewaltigen Präsenz ist auch insofern bemerkenswert, als es sich bei Wildblumen um Gewächse handelt, die traditionell als weniger präsentabel oder abbildungswürdig erachtet werden, gelten sie doch weniger als klassische Schnittblumen und kaum mehr als Unkraut. Der Aufbau mutet an wie ein botanischer Bildatlas, aber es geht um mehr: Jedes einzelne Bild wie auch die Gesamtinstallation trägt den Titel Bouquet impossible, was in der Kunstwissenschaft die Darstellung illusionärer Blumensträuße meint, von Blumen, die niemals gleichzeitig in Blüte stehen. Der 'Strauß' ist hier das wandfüllende Arrangement im Ausstellungsraum, den Dumet auf diese Weise dezent in ihr Konzept mit einbezieht.

Dies ist auch bei dem friesartigen Band der Fall, das sich im folgenden Raum die Wände entlang zieht und dabei auch die Fensterfront nicht auslässt. Die dicht an dicht aneinandergereihten, großformatigen Gemälde zeigen Blumenarrangements in Vasen, klassische Sujets des Blumenstilllebens also. Sie sind mal in Pastelltönen auf die Leinwand gebracht, meist jedoch in kräftigen, kontrastreichen Farben. Die Farbkompositionen füllen jeweils den Bildraum aus und schaffen ein dichtes, fast installatives Werk im Raum. Details lassen einzelne Blüten plastisch hervortreten; die Flächigkeit der Vasen und der zum Teil sichtbaren Möbel überwiegt jedoch und ist, wie auch bei Dumets frühen Stillleben, eine selektive Vereinfachung, die jedoch nie bis zur Abstrahierung reicht.

Ohne jeden Zweifel bleibt der figurative Ansatz bildbestimmend, und möglicherweise ist er die Quelle für eine interessante Entwicklung, was die Haltung des Betrachters zu den Blumen betrifft: Dumet gelingt mitunter eine überraschende Personifizierung der Pflanzen, beispielsweise bei der „vergessenen Artischocke“ (L’Artichaud oublié), die Blüten treibt, – aus Verzweiflung oder weil man sie endlich in Ruhe gedeihen lässt. Ähnliches gilt für die eigentlich wenige Zentimeter kleine Acker- Ringelblume; die Künstlerin hat sie auf so großes Format gebracht, dass eine der Wände in voller Höhe und allein dadurch der Raum vollständig eingenommen wird. Do You See Me Now? ist der Titel, und mag der fordernde Ausruf des nun riesigen Pflänzchens sein, das sonst keine Beachtung findet.

In der Werkgruppe La Fête est finie fügt Dumet ein anderes erzählerisches Element ein, – in das Sujet selbst, aber auch durch die Auswahl und Kombination der Materialien. Im Mittelgrund jedes dieser Werke erhebt sich bildfüllend die Silhouette einer Vase mit Blumen vor einer farbigen Fläche. Darauf appliziert sind, wie in einer freien Bewegung, farbig gefasste Porzellanscheiben, meist kreisrund, manche mit teilrunden Aussparungen.

Der Werktitel weist darauf hin: Die Party ist vorbei. Das lasierte Porzellan ist Konfetti, zum Teil mit typischen ,Fehlstanzungen‘. Der feierliche Anlass, zu dem sie gebracht werden, ist zugleich das Ende der nun geschnittenen Blumen, für sie wäre nun das Fest vorüber. Diese Blumen jedoch werden mit Konfetti und Farben bedacht und bleiben über diese letzte Feier hinaus im Bild von Leben erfüllt. Diese Umsetzung ihrer erweiterten Gedanken zum traditionellen Vanitas-Thema verbindet Dumet mit einem Detail ihrer Biographie: Das Porzellan, das sie hier als Gestaltungselement in ihre Malerei einfügt, ist ihr aus der Kindheit in ihrer Heimatregion Limoges vertraut.

Ihre fast fauvistische Poesie des Farbraums lässt sie dabei sowohl in den kraftvollen Einzeldarstellungen als auch in den seriellen Kompositionen erklingen, in denen jede Blume zur Protagonistin wird. Das geheime Leben der Blumen, das die Künstlerin mit dem Titel der Ausstellung benennt, ist jenes, das sie für die Blumen erfindet. Und so ist es schließlich mehr als nature morte, tote Natur, wie der französische Begriff für Stillleben behauptet. Johanna Dumet erzählt von diesem Leben in vielen Geschichten mit der überwältigenden Energie ihrer Malerei, und es gelingt ihr dennoch, das Geheimnis zu bewahren.

Johanna Dumet wurde 1991 im französischen Guéret geboren. Bereits früh hat sie mit der Malerei begonnen, studierte jedoch zunächst Kunstgewerbe in La Souterraine, nahe ihrem Geburtsort, und anschließend Modedesign in Marseille, bevor sie zur Malerei zurückkehrte. Kürzlich war sie mit Manuel Wroblewski in einer Residency beim CCA Andratx, Mallorca, zu Gast. Dumet ist in zahlreichen privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten, u.a. im Buxton Contemporary Art Museum, Melbourne, Australien, in der Hall Art Foundation, Derneburg, dem Kistefos Museum in Jevnaker, Norwegen, und der Kunstsammlung des Deutschen Bundestages. Johanna Dumet lebt in Berlin.