Paul Mpagi Sepuya

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Galerie Peter Kilchmann is pleased to present Lustrer with Los-Angeles—based artist Paul Mpagi Sepuya. This marks the artist’s first solo exhibition in Paris and the second outing with Galerie Peter Kilchmann.

Lustrer is the latest in Sepuya’s project Daylight Studio/Dark Room Studio (2021 - ongoing), in which his anachronistic take on 19th and early 20th century Western European and American photo studios becomes a site for both playful and tensely charged interactions and reflections, bringing a contemporary Black and queer perspective to the origins of desire within the medium. The show consists of works from several connected bodies of work within the series: Daylight Studio, Twilight and Dark Room Studio, and introduces new works: Silver, Flowers, and Garden Prints.

Sepuya moved studio spaces in the Spring of 2021 and found himself researching the decorative settings of early photographic studios. He then began filling his own new studio with items such as European and African antiques, postmodern contemporary reproductions, early 20th century gardening tools, rugs and pillows, and silverware against the backdrop of full-length black velvet curtains. The artist is not interested in historical recreation, but favors a form of play that acknowledges the impossibility of nostalgia. The accumulation of these objects and their references was a departure from the contemporary utilitarian aesthetic of his earlier Dark Room project, allowing further exploration into the dark room by bringing into focus the staging-ground of the historic daylight studio.

Within this mis-en-scène as a backdrop, Sepuya conducts photographic studies in arrangements of objects, model studies, as well as “instructional” compositions such as “Camera Lesson” and” Daylight Studio Session” where the artist is alternately technical instructor to one subject and figure model to another. The 1897 photograph An Ethiopian Chief by F. Holland Day with Black artist and model J. Alexandre Skeete has been a particular inspiration for Sepyua. J. Alexandre Skeet was a friend who the white, wealthy Day staged as an homage to Emperor Menelek II. The revisiting of historic photographic subjects opens up the possibility to reinterpret their dynamics and what the limited Western photographic perspective might have missed to record appropriately in its own and other hemispheres.

Exhibitionism, objectification, sexual identity, and self-portrayal all manifest through the playful motivations of the various participants: friends who are often fellow artists, and the occasional anonymous stranger. The artist shifts between the role of model in front of and operator behind the camera, leveling the power dynamic between him and the contributors in his work. The artist’s camera appears in the photographs as a symbol of self-reflection while also implicating the viewer’s position outside of the image.

The impact and traces of these actions are visible in the disorderly placed furniture, dented pillows, and smudged mirror surfaces. Sepuya incorporates large-scale mirrors to counterbalance the composition of his shots and to reflect their setting. They create multilayered loops of perspectives and additional viewing angles through which the viewer can glimpse into the artist’s studio and onto its subjects.

In the 19th Century the daylight studio served as the photographer’s designated site for the exposing of photographs in tandem with the dark room where the prints would be developed and produced. The dark room is also the designated site of queer sexual exploration and sociality, a location where the senses are conditioned by red and amber light (safe lights) for the bringing forth of touch and vision. Across “Daylight Studio”, “Twilight Studio” and “Dark Room Studio” images, Sepuya introduces these shifting conditions of light as potential for combining and recombining the kinds of pictures that can be made within the studio.

Dark Room Studio images are made with long exposure within the glow of these red lights, and are often produced on aluminum as deeply saturated dye-sublimation prints.

The Garden Prints are paper salt prints made from snapshots the artist took while establishing a garden at his home in Los Angeles, a reference to Hippolyte Bayard’s Garden photographs. Bayard’s garden, like those of many other early practitioners and amateurs, was the sites of many early photographs, for its abundance of light. In working on his own garden, the artist contemplated forms of labor that become pleasure and the rewards of tending to the deep social relations that make his work possible.

The most recent photographs include arrangements and use of silverware creating a historic connection to both the physical activity of shining silver, a traditionally labor-intense process, and silver emulsions which have been a crucial element in the development of photographs. Both the shining of silver and the application of silver emulsion in the dark room result in an image emerging by either removing tarnish or a chemical reaction that reveals an exposed image. Repeatedly touching, conditioning, and thus changing the surface of an object to reach clarity has been at the forefront of the artist’s mind while working on this new body of work. The title Lustrer links to the rich history of Paris in which silver played a dominant role not only in aristocratic circles and the bourgeoisie but also as the cradle ground of early photography. Within these series Paul Mpagi Sepuya creates a rich variety of contemporary studio photography that transforms its historical referents, each increasing the depth of the conceptual approach to his selected historic themes.

Paul Mpagi Sepuya (b. 1982, San Bernardino, CA) lives and works in Los Angeles. His work is in the collections of The Museum of Modern Art, the Whitney and Guggenheim Museums, The Studio Museum in Harlem, The Getty Museum, MoCA Los Angeles, Tate Modern London, and Stedelijk Museum in Amsterdam among others. His work has been reviewed in the New Yorker, the New York Times, Art in America, and he was featured on the cover of Artforum’s March 2019 issue. Sepuya has recently been in a solo exhibition at Deichtorhalle, Hamburg (2022); Festival of Photography, Melbourne, AU, 2022 and has been in group exhibitions at MoCA, Los Angeles, US, 2022; the Barbican, London (2020); Whitney Museum, New York; Guggenheim Museum, New York, and the Getty Museum, Los Angeles (all 2019); Museum of Modern Art, New York; Museum of Contemporary Art, Chicago (both 2018); New Museum, New York (2017); and many more. A survey of work from 2008 - 2018 was presented at CAM St. Louis and University of Houston Blaffer Art Museum, accompanied by a monograph published by CAM St. Louis and Aperture Foundation. He is Acting Associate Professor in Media Arts at the University of California San Diego.

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La Galerie Peter Kilchmann Paris est heureuse de présenter Lustrer de l'artiste Paul Mpagi Sepuya, basé à Los Angeles. Il s'agit de la toute première exposition personnelle de l'artiste à Paris et de sa deuxième exposition avec la Galerie Peter Kilchmann.

Lustrer est le dernier volet du projet Daylight Studio/Dark Room Studio (2021 – aujourd’hui) de Sepuya. Son regard anachronique sur la photographie d’atelier d'Europe occidentale et d'Amérique du 19e et du début du 20e siècle tisse des interactions et des réflexions toutes à la fois ludiques et intenses, apportant également une perspective noire et queer contemporaine aux origines du désir qui s’épanouit dans le médium. L'exposition réunit des œuvres issues de plusieurs séries cependant connectées parmi : Daylight Studio, Twilight et Dark Room Studio, tout en introduisant de nouvelles œuvres : Silver, Flowers et Garden Prints.

Lorsque Sepuya déménage de studio pendant le printemps 2021, il amorce des recherches sur les décors qui se déploient dans les premiers ateliers photographiques. Il se met ainsi à accumuler des objets dans son nouveau studio : des antiquités européennes et africaines, des reproductions contemporaines postmodernes, des outils de jardinage du début du XXe siècle, des tapis et des coussins ainsi que de l'argenterie, tous s’exhibant sur les larges rideaux de velours noirs en toile de fond. Néanmoins, il ne s’agit pas pour l'artiste d’élaborer une sorte de reconstitution historique, plutôt de privilégier une forme de jeu qui témoigne de l'impossibilité de la nostalgie. La quantité de ces objets et leurs références, s'éloignent de l'esthétique utilitaire contemporaine qu’ils trouvaient dans son précédent projet Dark Room ; ils permettent ici une exploration plus poussée de la chambre noire en intégrant des éléments des décors d’ateliers en lumière naturelle.

Cette toile de fond est aussi celle sur laquelle Sepuya conduit des études photographiques sur les arrangements d'objets, les modèles ainsi que des compositions "didactiques" telles que "Camera Lesson" et "Daylight Studio Session", où l'artiste est alternativement instructeur technique d'un sujet ici et modèle ailleurs. La photographie An Ethiopian Chief de F. Holland Day, réalisée en 1897 avec l'artiste et modèle noir J. Alexandre Skeete, est une source d'inspiration toute particulière pour Sepuya. J. Alexandre Skeete était un ami de Day, homme riche et blanc, qui le photographiait pour rendre hommage à l'empereur Menelek II. À revisiter ainsi des sujets photographiques historiques s’offre la possibilité de réinterpréter leur dynamique et ce que la perspective photographique occidentale limitante a pu manquer d'enregistrer d’une manière appropriée dans son propre hémisphère et dans d'autres.

L'exhibitionnisme, l'objectivation, l'identité sexuelle et l'autoportrait se manifestent simultanément à travers les motivations espiègles des différents participants : ils sont amis, souvent collègues artistes ou, à l'occasion, étrangers anonymes. L'artiste quant à lui, passe du rôle de modèle devant l’objectif à celui d'opérateur derrière l'appareil photo, ramenant ainsi à un niveau démocratique la dynamique du pouvoir entre lui et ceux qui participent de son travail. L'appareil photo apparaît ainsi dans les photographies comme un symbole d'autoréflexion en même temps qu’il place le regardeur à l'extérieur de l'image.

L'impact et les traces de ces actions sont rendus visibles dans les meubles placés d’une manière désordonnée, les coussins déformés et les surfaces de miroir tachées. Sepuya intègre ces miroirs de grand format pour contrebalancer les compositions de ses clichés et refléter leur cadre. Se créent alors des boucles de perspectives à plusieurs niveaux et des angles de vue supplémentaires qui permettent au spectateur de surprendre l'atelier de l'artiste et ses sujets.

Au XIXe siècle, le studio en lumière naturelle était l'endroit désigné par le photographe pour l'exposition des photographies, en tandem avec la chambre noire où les tirages étaient développés puis produits. La chambre noire est également le lieu désigné de l'exploration sexuelle et de la socialité queer, un endroit où les sens sont conditionnés par les lumières rouges ambrées (safe lights) pour éveiller le toucher et la vision. Avec "Daylight Studio", "Twilight Studio" et "Dark Room Studio", Sepuya introduit ces conditions changeantes de lumière comme de potentielles combinaisons et recombinaisons de types d'images qui peuvent être réalisées en studio. Les images de Dark Room Studio sont réalisées en longue exposition à la lueur de ces lumières rouges et sont souvent produites sur aluminium sous la forme de tirages par sublimation thermiques profondément saturés.

Les Garden Prints sont des tirages sur papier salé réalisés à partir d'instantanés pris par l'artiste lors de l'aménagement du jardin de sa maison de Los Angeles. Ils font référence aux photographies de jardin d'Hippolyte Bayard. Le jardin de Bayard, comme ceux de nombreux autres praticiens et amateurs de la première heure, était le lieu de nombreuses premières photographies en raison de l'abondance de lumière qu'il offrait. En travaillant à son propre jardin, l'artiste contemple comme certaines formes de labeur peuvent également prodiguer du plaisir, ainsi que l'entretien de relations sociales profondes rendant son travail possible sont récompensées.

Les photographies les plus récentes comprennent des arrangements avec et l'usage de l'argenterie. Elles créent donc un lien historique avec l'activité manuelle du polissage de l'argent, un processus traditionnellement laborieux, ainsi qu’avec les émulsions d'argent qui sont un élément crucial dans le développement de la photographie. Le polissage de l'argent et l'application de l'émulsion argentique dans la chambre noire font apparaître une image, soit en éliminant la ternissure, soit en provoquant une réaction chimique qui révèle l'image exposée. Toucher, conditionner et modifier dans un geste répétitif la surface de l’objet pour atteindre sa clarté est au premier plan de l'esprit de l'artiste lorsqu'il travaille sur ce nouveau corpus d'œuvres. Le titre Lustrer appelle aussi la riche histoire de Paris. L'argent y jouait un rôle prédominant dans les cercles aristocratiques et la bourgeoisie certes, mais aussi en tant que cette ville était le berceau des débuts de la photographie. Dans ces séries, Paul Mpagi Sepuya crée une riche variété de photographies de studio contemporaines qui transforment les références historiques, chacune entérinant la profondeur de l'approche conceptuelle des thèmes historiques qu'il sélectionne.

Lustrer est présentée en même temps que Push/Pull, une exposition personnelle d’œuvres de la même série qui ouvrira le 11 juin 2023 à la Galerie Peter Kilchmann à Zürich, Maag.

Paul Mpagi Sepuya (né en 1982 à San Bernardino, CA) vit et travaille à Los Angeles. Ses œuvres font partie des collections du Museum of Modern Art, des musées Whitney et Guggenheim, du Studio Museum à Harlem, du ICA Boston, du Getty Museum et du MoCA à Los Angeles, du Imma Dublin, du Stedelijk Museum à Amsterdam et de la Tate London, entre autres. Son travail a été commenté dans le New Yorker, le New York Times, Art in America et a fait la couverture du numéro de mars 2019 d'Artforum. Sepuya a récemment fait l'objet d'une exposition individuelle à la Deichtorhalle, Hambourg (2022) ; au Festival of Photography, Melbourne, AU (2022) et a participé à des expositions collectives au MoCA, Los Angeles, US (2022) ; au Barbican, Londres (2020) ; au Whitney Museum, New York ; Guggenheim Museum, New York, et au Getty Museum, Los Angeles (toutes en 2019) ; au Museum of Modern Art, New York ; Museum of Contemporary Art, Chicago (toutes les deux 2018) ; au New Museum, New York (2017) ; et bien d'autres encore. Une rétrospective des œuvres de 2008 à 2018 était présentée au CAM St. Louis et au Blaffer Art Museum de l'université de Houston, accompagnée d'une monographie publiée par le CAM St. Louis et la fondation Aperture. Il est professeur associé par intérim en Media Arts à l'université de Californie à San Diego.