Jack O'Brien

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Capitain Petzel is pleased to present Cascade, Jack O'Brien's debut solo exhibition with the gallery.

For the exhibition, O'Brien presents a striking suspended sculpture that merges two grand pianos into a singular, imposing form, hovering mid-air within the gallery space. The pianos are stripped of their traditional function yet retain their physical grandeur. Between them is a striking void, a central negative space that becomes the focal point of the composition, evoking both a sense of dialogue and rupture. By suspending these instruments and cutting a void at their core, O'Brien reimagines them as objects of silence and memory, rather than tools of sound. Assemblage becomes a means of storytelling for the artist, where fragments of materials carry traces of their past. The cascade emerges as a unifying gesture within the exhibition, threading through each work with a sense of motion that feels simultaneously fluid and interrupted. The works on view, created from repurposed materials partly sourced in Berlin, reflect O'Brien's sensitivity to material histories and an interest in the interplay between the personal and the found, weaving local narratives into his broader exploration of space and form. In O'Brien's practice gestural repetition is reminiscent of the dynamism found in Futurist painting. The fractured forms and layered materials suggest movement captured mid-stream, as if the works themselves were animated or imbued with an internal rhythm that propels them beyond their material confines. Here the crescendo also serves as a conceptual undercurrent. Like a musical swell, the sculptures seem to build toward an apex, holding the viewer in a state of anticipation. This crescendo, both visual and metaphorical, amplifies the interplay of silence and motion, creating a rhythm that crescendos not to sound, but to a sense of presence and potential. The suspended grand pianos exemplify this quality, as they seem to both rise and fall, caught in a moment of unresolved transition. Viewers can experience the works as dynamic, unfolding events rather than static objects.

Grounded in a subtle interplay of material, personal experience, and cultural critique, O'Brien's installations evoke a sense of precarity, reflecting both the physical and social fragility of the structures he creates. The artist is particularly interested in destabilizing the fixed nature of objects, forcing rigid materials like metal and glass into confrontations that evoke a sense of unease. Through these clashes, he challenges notions of form and function with works that appear charged with nervous energy, as if on the verge of collapse. This precariousness becomes a metaphor for the broader, often fraught, dynamics of identity, particularly within the context of queer cultural histories and the lineage of queer abstraction.

The cascade emerges as a unifying gesture within the exhibition, threading through each work with a sense of motion that feels simultaneously fluid and interrupted. The works on view, created from repurposed materials partly sourced in Berlin, reflect O’Brien’s sensitivity to material histories and an interest in the interplay between the personal and the found, weaving local narratives into his broader exploration of space and form. In O’Brien’s practice gestural repetition is reminiscent of the dynamism found in Futurist painting. The fractured forms and layered materials suggest movement captured mid-stream, as if the works themselves were animated or imbued with an internal rhythm that propels them beyond their material confines.

Here the crescendo also serves as a conceptual undercurrent. Like a musical swell, the sculptures seem to build toward an apex, holding the viewer in a state of anticipation. This crescendo, both visual and metaphorical, amplifies the interplay of silence and motion, creating a rhythm that crescendos not to sound, but to a sense of presence and potential. The suspended grand pianos exemplify this quality, as they seem to both rise and fall, caught in a moment of unresolved transition. Viewers can experience the works as dynamic, unfolding events rather than static objects.

In 2025, Jack O’Brien’s first institutional solo exhibition in Germany will take place at Kestnergesellschaft, Hannover, followed by participation in a group exhibition at Fondation CAB, Saint Paul de Vence, and a solo exhibition at Ordet, Milan.

Jack O’Brien’s erotically charged sculptures start from found objects that have a direct relation to the body in their human scale: musical instruments, industrial materials and aluminum balls, which the artist stretches to the point of abstraction, surrounding them with the materiality of consumer society, shrink wrap, epoxy, fabric, cable ties and PETG plastic.

Phaedrus merges classical and industrial aesthetics. Two suspended cellos, wrapped in taut cellophane, evoke both the fluidity of sound and the rigidity of machinery. The juxtaposition of organic curves with sharp, metallic finishes creates a sense of tension, echoing the philosophical dialogues in Plato‘s Phaedrus, which explores the balance between reason and passion.

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Capitain Petzel freut sich, Cascade anzukündigen, Jack O’Briens erste Einzelausstellung in der Galerie eröffnet wird.

Für die Ausstellung hat O’Brien eine monumentale hängende Skulptur geschaffen. Zwei Konzertflügel verschmelzen zu einer einzigen Form, die im Galerieraum schwebt. Die Klaviere sind ihrer traditionellen Funktion beraubt, behalten aber ihre physische Größe. Zwischen ihnen befindet sich eine auffällige Leere, ein zentraler negativer Raum, der zum Brennpunkt der Komposition wird und sowohl ein Gefühl des Dialogs als auch des Bruchs hervorruft. Indem O’Brien die Instrumente schweben lässt und in ihrem Kern eine Leere ausspart, stellt er sie als Objekte der Stille und der Erinnerung und nicht als Werkzeuge des Klangs neu vor. Die Assemblage wird für den Künstler zu einem Mittel des Geschichtenerzählens, bei dem Fragmente von Materialien voller Spuren ihrer Vergangenheit sind.

O’Briens Installationen, die auf einem subtilen Zusammenspiel von Material, persönlicher Erfahrung und Kulturkritik beruhen, rufen ein Gefühl der Ungewissheit hervor und verweisen auf sowohl physische als auch soziale Verletzbarkeit. Der Künstler stellt die starre Materialität von Objekten in Frage und zwingt feste Stoffe wie Metall und Glas in Konstellationen, die prekär erscheinen. Seine Materialien stellen Form und Funktion in Frage und scheinen mit Energie geladen, im Übergang zu einem anderen Zustand. Diese Fragilität wird zu einer Metapher für eine umfassendere, oft dynamische Frage der Identität, insbesondere im Kontext der queeren Kulturgeschichte und der Tradition der queeren Abstraktion.

Die Kaskade taucht als verbindende Geste innerhalb der Ausstellung auf und zieht sich wie ein roter Faden durch jedes Werk, das sich gleichzeitig fließend und aufgebrochen zeigt. Die Werke – aus zum Teil vor Ort gefun- denen wiederverwendeten Objekten – spiegeln O’Briens Sensibilität für Geschichten und sein Interesse am Zusammenspiel von Persönlichem und Gefundenem, wobei er lokale Bezüge in seine Erforschung von Raum und Form einbezieht. Die gestischen Wiederholungen in O’Briens Arbeiten erinnern an die Dynamik der futuristischen Malerei. Fragmentierte Formen und überlagerte Materialien sind scheinbar in Bewegung und wie im Fluss gestoppt, als wären die Werke selbst beseelt oder von einem inneren Rhythmus durchdrungen, der sie über ihre materiellen Grenzen hinaus treibt.

Hier dient das Crescendo als konzeptueller Unterton. Wie ein musikalisches Anschwellen scheinen die Skulpturen einem Höhepunkt entgegen zu steuern und den Betrachter in einem Zustand der Erwartung zu halten. Dieses Crescendo, sowohl visuell als auch metaphorisch, verstärkt das Zusammenspiel von Ruhe und Bewegung und schafft einen Rhythmus, der sich nicht zu einem Klang, sondern zu einem Gefühl von Präsenz und Potenzial steigert. Die hängenden Flügel veranschaulichen diese Dynamik, da sie zu steigen oder zu fallen scheinen, gefangen in einem Moment des Übergangs. Der Betrachter erlebt die Werke als dynamische, sich vollziehende Ereignisse und nicht als statische Objekte.

Jack O’Briens erste institutionelle Einzelausstellung in Deutschland wird im Mai 2025 in der Kestnergesellschaft in Hannover präsentiert. Anschließend werden seine Arbeiten in einer Gruppenaussstellung in der Fondation CAB, Saint Paul de Vence, sowie in einer Einzelausstellung bei Ordet in Mailand zu sehen sein.

Die erotisch aufgeladenen Skulpturen von Jack O’Brien gehen von gefundenen Objekten aus, die in ihrem Maßstab einen direkten Bezug zum menschlichen Körper haben: Musikinstrumente, Industriematerialien und Aluminiumkugeln, die der Künstler bis zur Abstraktion dehnt und mit den Materialien der Konsumgesellschaft wie Schrumpffolie, Epoxidharz, Stoff, Kabelbindern und PETG-Plastik umgibt.

In Phaedrus verschmelzen klassische und industrielle Ästhetik. Zwei aufgehängte Celli, die in straffes Zellophan gewickelt sind, evozieren sowohl die Fluidität des Klangs als auch die Starrheit von Maschinen. Die Gegenüberstellung von organischen Kurven und scharfen, metallischen Oberflächen erzeugt ein Gefühl der Spannung, das an die philosophischen Dialoge in Platons Phaedrus erinnert, in denen es um das Gleichgewicht zwischen Vernunft und Leidenschaft geht.