Christoph Steinmeyer

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Michael Janssen Berlin is pleased to present the exhibition Haben oder Sein by Christoph Steinmeyer.

Type “the most beautiful image in the world” into your browser and look for results. What picture do you expect to see?

In his ongoing artistic research project, spanning over eight years, German neo-surrealist Christoph Steinmeyer delves into the realm of popular imagery, probing the influence of algorithms, cookies and location tracking to uncover the mechanisms that shape our contemporary visual culture. This exploration has resulted in a series of paintings "The Most...", into which the artist incorporates elements of internet culture and memes, using them to comment on the process of commodification of visual imagery.

Steinmeyer's interest in the ambiguous role of coveted contemporary artifacts is reflected in the title of his show, To Have or to Be? It references psychoanalyst Erich Fromm's eponymous book which explores the fundamental differences between two modes of existence—having and being. In "The Most...", Steinmeyer extends this debate by examining how, under capitalism, images are transformed into objects of desire that are filtered and artificialized to appeal to the masses. The series consists of hyperrealistic paintings depicting a golden hamburger, a tennis player—ephemeral glimpses into the search for absolute beauty on the internet.

Painted in seductive golden-yellow hues, the hamburger stands as a poignant symbol of consumer culture. The meat is depicted with photographic precision, evoking a sense of ravenous eroticism. Steinmeyer's portrayal of the tennis player seems to draw inspiration from fashion photography that tends to objectify and sexualize public figures. However, the artist’s intention was to create an image of a modern Amazon, who uses her body as a powerful tool for feminist empowerment, rather than an object of male desire.

The "Most..." series employs a vivid chromatic palette characterized by contrasting colors that possess a tactile, almost velvety quality, reminiscent of lavish objects. The golden, red, white, and black hues have been meticulously chosen to enhance the exclusivity of the depicted images, eliciting a feeling of visual opulence commonly found in luxury advertisements. The use of such vibrant colors adds a layer of provocation and visual hunger to the paintings, inviting the viewer to indulge in pictorial consumerism.

In contrast to the confident palette of “the most beautiful” images, the introspective atmosphere of Steinmeyer’s landscape canvases is shaped by ambiguous grisaille tonalities that comprise multitudes of hues, granting the paintings a dream-like quality. We find similar gray-scale color compositions in the works depicting the launch of a rocket in desolate rural scenery. The empty wooden bench in the lower right corner, uncomfortably close to the canvas edge, intensifies the buzzing tension provoked by the sensation of absence —like a silent nightmare that unfolds in slow motion, electrifying the air with unsettling premonitions. The titles of the works, Challenge and Baltic Sea, hint at what this strange fantasy sequence might be about. The cinematically composed scene alludes to the tragic 1986 accident in which the American Space Shuttle Challenger broke apart, only 73 seconds into its flight. By transposing the spacecraft to the Baltic Sea, Steinmeyer creates a fantastic narrative that draws our attention to the real climate and humanitarian catastrophes present in Europe today.

Steinmeyer’s surrealism is profoundly conceptual. The meticulously repainted hyperrealist copies of his own works question the very essence of the debate about originality in art. How can we value a painting while knowing that it may be a reproduction?

Challenge and Baltic Sea are identical replicas reproduced at different scales. When placed together, these duplicates mirror each other, trapping the viewer inside a labyrinth of multiplying reflections. Another vivid example of this poetic transgression is the artist’s series of four glass paintings, each of which playfully re-contextualizes the title of the show. The deeply personal transformative process the artist underwent during lockdown is portrayed through the tangled web of visual paradoxes that inhabit these oneiric seascapes, which Steinmeyer calls his self-portraits. Depicted in photorealistic detail, the sea shimmers under the faint sunlight on one side of the painting, while appearing devoid of light on the other side, as if the glass were blocking the sun's rays from extending across the water. In contrast to the background, which remains almost unaltered in all four paintings, the sea inside the glass is presented to us in a variety of states: the serene translucency depicted in the painting “To Have and To Be” transforms into a dramatic tempest that distorts the limits of the image in “To Be or to Have”, providing a nauseating sense of motion as it bursts through the crystal. The physical installation of these paintings, hung in a linear row, endows the space in between with a tactile physicality palpable for the spectator. The absurdist logic of Steinmeyer’s surreal dreamscapes transgresses the limits of fiction, challenging the viewer with their amped-up intensity.

These introspective hybrids merge classical genres of landscape and still life painting into an existential chaos of magical hyperrealism where neither having nor being is relevant. Luminous portals into the threshold of becoming, Steinmeyer’s paintings project a high-resolution hyper-objectivity combined with an eerie panorama of oneiric distortions. Is it we who contain the sea? Or is it the sea that contains us?

—Karina Abdusalamova

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Welche Art von Bild würden Sie als Suchergebnis für die Eingabe „Schönstes Bild der Welt“ auf Google erwarten?

Seit nunmehr acht Jahren erforscht der deutsche Neo-Surrealist Christoph Steinmeyer die endlosen Weiten der populären Bildsprache – sowie den Einfluss von Algorithmen, Cookies und IP-Ortung auf diese. Ziel des Projekts war es, die Mechanismen offenzulegen, die unsere zeitgenössische, so stark visuell geprägte Kultur prägen. Aus seinen Erkundungen entstand die Gemäldeserie The Most..., in die der Künstler Memes und andere Elemente der Internetkultur miteinbezieht, um die konsequente Entwicklung hin zur kommerziellen Ware zu kommentieren, die das Bild genommen hat.

Steinmeyers Interesse an der doppelbödigen Rolle stark nachgefragter zeitgenössischer Artefakte wird in dem Titel seiner Ausstellung zum Ausdruck sehr deutlich: Haben oder Sein. Damit bezieht der Künstler sich natürlich auf das gleichnamige Werk des Psychoanalytikers, Philosophen und Sozialpsychologen Erich Fromm, in dem dieser die grundlegenden Unterschiede zwischen zwei Lebensweisen erforscht – eben einer mehr dem Haben und einer anderen, eher dem Sein zugewandten. In The Most... erweitert Steinmeyer seine Ausgangsfragestellung, indem er untersucht, wie in unserer Marktwirtschaft Bilder mittels Bearbeitung durch Filter und andere Formen der Verkünstlichung zu massen-tauglichen ObjekteN der Begierde verwandelt werden. Die hyperrealistischen Gemälde zeigen Motive wie einen goldenen Hamburger, eine Tennisspielerin im enganliegenden Top oder eine Katze im Raumanzug – flüchtige Impressionen von der Internet-Suche nach ultimativer Schönheit.

Der in luxuriösem Goldgelb gemalte Hamburger ist in der ebenso fotografisch-präzisen wie erotisierenden Darstellung ein geradezu ikonisches Symbol für eine gierige Konsumlust, die jederzeit bereit zur Verführung zu sein hat. Auch das Bild von der Tennisspielerin scheint von einer Art der Fotografie inspiriert zu sein, die dazu neigt, Prominente als sexualisierte Objekte darzustellen. Vielleicht sehen wir aber auch ganz im Gegenteil das Bild einer modernen Amazone, die ihren Körper als mächtiges Werkzeug für feministisches Empowerment einsetzt, anstatt ihn der männlichen Begierde als Objekt zur Verfügung stellen zu wollen?

Die leuchtenden, oft stark kontrastierenden Gold-, Rot-, Weiß- und Schwarz-Töne der Gemäldeserie Most... sind sorgfältig komponiert. Mit ihrer taktilen, fast samtigen Qualität spielen die Gemälde mit dem für die Luxuskonsumgüter-Werbung typischen Bemühen um Exklusivität und visueller Opulenz, provozieren beharrlich einen visuellen Hunger bei dem Betrachter und fordern ihn dazu auf, sich ganz dem Konsum der Bilder hinzugeben.

Im Gegensatz zu den selbstbewusst kräftigen Farben der The Most Beautiful... -Serie sind Steinmeyers Landschafts-bilder hingegen in vielfach abgestufte Grisaille-Töne getaucht, die den Gemälden eine stark introspektive Atmosphäre, eine traumartige Mehrdeutigkeit verleihen. So sind auch die Arbeiten, die den Start einer Weltraumrakete darstellen, in einer Vielzahl von Grau-Schattierungen gehalten. Die Holzbank, auf der niemand sitzt und die beunruhigend nahe am Bildrand in der rechten unteren Ecke des Gemäldes steht, verstärkt die beinahe greifbar in der Luft liegende Spannung noch– wie ein stiller Alptraum in Cinemascope, der sich in Zeitlupe entfaltet und die Atmosphäre mit beunruhigenden Vorahnungen elektrisiert. Mit Challenge und Baltic Sea nehmen die Titel der fantastischen Sequenzen Bezug auf den tragischen Unfall des Jahres 1986, bei dem das US-amerikanische Challenger-Space Shuttle nach nur 73 Sekunden Flugzeit in etwa 15 Kilometern Höhe explodierte. Indem er den Raumschiff-Start nun auf die Ostsee verlegt, imaginiert Steinmeyer eine Erzählung, die unseren Blick auf die Katastrophen im heutigen Europa lenkt.

Überhaupt ist der Surrealismus Steinmeyers sehr konzeptionell. So stellen die hyperrealistischen, akribisch gemalten Kopien seiner eigenen Werke die Debatte über Originalität in der Kunst zutiefst in Frage. Welche Wertschätzung wird einem Gemälde gegenüber erbracht, von dem man weiß oder ahnt, dass es eine Reproduktion ist?

Challenge und Baltic Sea sind identische Reproduktionen voneinander, jedoch in unterschiedlichen Maßstäben. Nebeneinander, im direkten Kontext, versetzen sie den Betrachter in ein Labyrinth aus sich gegenseitig vervielfältigenden Spiegelungen. Ein weiteres Beispiel für diese poetische Transgression in den Arbeiten des Künstlers ist seine Serie von vier Gemälden, die jeweils ein übergroßes, von nichts als Himmel und Meer umgebenes Wasserglas zum Motiv haben, und die jedes für sich den Titel der Ausstellung auf spielerische Weise in einen neuen Zusammenhang stellt. Das verwobene Geflecht visueller Paradoxien, die diese traumartigen – von Steinmeyer als Selbstporträts bezeichneten– Meereslandschaften bevölkern, stellt den sehr persönlichen Transformationsprozess dar, den der Künstler während der Lockdowns durchlief. In fotorealistischer Detaildarstellung schimmert das Meer auf einer Seite des Glases im durch die Wolken dringenden Sonnenlicht, während es auf der anderen Seite seltsam matt und lichtlos wirkt, ganz so als ob das Glas die Sonnenstrahlen verschluckt hätte. Im Gegensatz zum Hintergrund der vier Gemälde zeigt sich das von Glas umschlossene Meer in sehr verschiedenen Zuständen. Die heitere, beinahe durchsichtige Ruhe des Wassers in dem Gemälde Haben und Sein ändert sich von Bild zu Bild, bis es die stürmische Aufgewühltheit in Sein oder Haben annimmt, mit der die Grenzen des Motivs verschwimmen und ein schwindelerregendes Gefühl der Bewegung entsteht, während das Wasser durch die Wände des Glases zu brechen scheint. Und selbst die Leerräume zwischen Gemälden sind nicht wirklich leer, sondern nehmen durch die Reihenhängung eine für den Betrachter beinahe greifbare Körperlichkeit an. Die Logik des Absurden in den surrealen Traumlandschaften des Künstlers verschiebt die Grenzen der Fiktion und fordert den Betrachter mit ihrer überschärften Intensität heraus.

Steinmeyers Arbeiten sind introspektive Hybride, in denen er die klassischen Gattungen der Landschaftsmalerei und des Stillebens zu einem existenziellen Chaos voller hyperrealistischer Magie verschmilzt. Als leuchtende Portale an der Schwelle des Werdens, wo weder Haben noch Sein eine Rolle spielen, verbinden Steinmeyers Gemälde eine hochauflösende Hyper-Objektivität mit oft spukhaft anmutenden, traumartigen Deformationen. Sind wir es, in denen das Meer ist? Oder ist das Meer um uns herum?

—Karina Abdusalamova