Irving Penn

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Galerie Thaddaeus Ropac is honoured to present its first exhibition of the iconic American photographer Irving Penn (1917-2009), The Flavour of France, from 19 October 2017 to 6 January 2018 in Paris. Titled after a photographic essay published by Irving Penn in 1960, in which he celebrates what André Gide called the “horror of the approximate” that characterises French charm, the exhibition focuses on three different bodies of work: Nudes, Small Trades and artist portraits. Dating from the period 1947–1950, each reflects in its own way the close relationship Irving Penn maintained with France throughout his life, by contact with artists, frequent visits and by their idealised redolence. The exhibition coincides with the Irving Penn centennial retrospective at Grand Palais in Paris running from 21 September 2017 to 29 January 2018, previously at the Metropolitan Museum of Art in New York.

Since September 2017 Galerie Thaddaeus Ropac represents The Irving Penn Foundation in France in collaboration with Pace/MacGill Gallery, New York.

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Portraits, Paris and New York, 1947-1950

Irving Penn gained international fame from his psychologically intense and elegantly composed portraits. Commissioned by Vogue’s art director and Penn’s mentor Alexander Liberman, the works strike by their graphic simplicity and immediate impact — qualities that both meet the requirements of the printed page. Penn’s portraits of artists result from demanding sessions, during which he would “find ways to melt personal defenses and encourage his sitters to emerge from their protective armor” as Maria Morris Hambourg, curator of the centennial exhibition at the Metropolitan Museum of Art, comments.

Penn coupled this psychoanalytic-like method with the use of a spare background to unveil the personality of the sitters and foreclose narrative readings of their pose. The lack of context confuses the viewer's sense of scale and heightens awareness not just of the sitter's body language and what it reveals, but also of what remains unseen, be it the cavernous presence of Père Couturier or the mysterious silhouette of Marlene Dietrich.

In 1947, Irving Penn began setting portraits in a small corner space made of two studio flats pushed together. To quote the photographer, “a very rich series of pictures resulted. This confinement surprisingly seemed to comfort people, soothing them. The walls were a surface to lean on or push against.” Some, like Marcel Duchamp, would play with the device; others would stick to the instructions.

Penn employed this narrative-resistant style until the end of his life, ultimately seeking for his pictures to be as “weighty and resolved” as paintings.

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Nudes, New York, 1949-1950

While working at Vogue in the late 1940s, Irving Penn initiated the personal project of photographing the female body in a pioneering way. This would become “the major artistic experience of his life”, as he himself stated. Freed from commercial expectations, he started a series of sessions to photograph nudes in his own private studio at 480 Lexington Avenue. During hours-long sessions, Irving Penn would scrutinize the changing configurations of the female body within the viewfinder of his Rolleiflex camera.

Initially, Irving Penn photographed lean models in twisting poses. Stepping away from fashion standards he then photographed curvy women, who feature in most of the final printed images.

As Maria Morris Hambourg states: “The amount of erotic content in the photographs is very high, yet, like the sessions themselves, it is held in check by a controlled, aesthetic distance. His mental library was filled instead with the simplified contours and smooth surfaces of the nudes by Arp, Brancusi, Maillol, Moore, Picasso and Matisse that had graced European art magazines in the 1930s.”

The sculptural quality of the work, where the body often appears truncated, distorted and even abstracted, is reinforced by the photographer’s focus on the tactility of the image itself. While printing the nudes, Irving Penn used an experimental process to create ethereal images that blur fine detail and flatten the undulating curves into almost abstract planes of light and shadow. Now considered a key aspect of his artistic work, this series of nudes remained largely unseen and unpublished until 1980, when exhibited at Marlborough Gallery in New York.

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Small Trades, Paris, 1950

In late July 1950, Irving Penn returns to Paris to photograph the couture collections for Vogue with the idea of starting a new series dedicated to tradesmen. Equally influenced by Eugène Atget’s portraits of tradesmen at the turn of the century and the socially engaged work of Walker Evans, he developed his own vision. Instead of the vernacular setting of the street he chose to isolate the subject in a studio Vogue rented for him in the rue de Vaugirard in Paris.

In 1991 he would recall: “A steady stream of workmen, street vendors, and fringe Parisians climbed the six flights to the studio, where they waited their turn to pose between pictures of couture and portrait sittings of the distinguished.”

The workers would pose with their tools in front of the camera in the neutral space of the studio, which provided a sense of timelessness to their portrait.

As Irving Penn notes in Moments Preserved (1960) “like everyone else who has recorded the look of tradesmen and workers, I was motivated by the fact that individuality and occupational pride seem on the wane.” He would later expand the series in London and New York, progressively establishing somewhat of a typology. The Small Trades series eventually became his largest body of work.

Considered today as one of the major achievements in modern photography, this series stands as a manifesto of Penn’s photographic methodology. As he said during a symposium on modern photography organized by Edward Steichen at MoMA in 1950: “The modern photographer…brings equal interest and devotion to the problem of photographing a queen, a chair, a fashion model, a soldier, a horse. He finds something of himself in everything, and something of everything in himself.”

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Born in 1917 in Plainfield, New Jersey to a Russian Jewish family, Penn attended the Philadelphia Museum School of Industrial Arts from 1934–38 and studied with Alexey Brodovitch in his Design Laboratory.

Irving Penn's work initially had an ideal outlet on the pages of Vogue, where it was finely reproduced and widely disseminated. In 1943, the new art director at Vogue, Alexander Liberman, hired Penn as his associate to prepare layouts and suggest ideas for covers to the magazine's photographers. Liberman, another Russian émigré who had worked in Paris, looked at Penn's contact sheets from his recent travels and recognized "a mind, and an eye that knew what it wanted to see."

After the Second World War, as Penn quickly developed a reputation for his striking style in still life and portraiture, Liberman sent him around the world on portrait and fashion assignments. These were formative experiences, which confirmed Penn's preference for photographing in the controlled environment of a studio, where he could trim away anything that was not essential to his compositions and hone in on his subjects.

Penn's travel for Vogue increased between 1964 and 1971, taking him to Japan, Crete, Spain, Dahomey, Nepal, Cameroon, New Guinea, and Morocco. On these trips Penn was increasingly free to focus on what truly interested him: making portraits of people in natural light.

In the early 1970s, Penn closed his Manhattan studio and immersed himself in platinum printing in the laboratory he constructed on the family farm on Long Island, NY. This led to three major series conceived for platinum: Cigarettes (1972, presented at The Museum of Modern Art in 1975), Street Material (1975–76, shown at The Metropolitan Museum of Art in 1977), and Archaeology (1979–80, exhibited at Marlborough Gallery in 1982). Like his earlier Nudes series, this work departed radically from the prevailing uses of photography. In 1984, he was honoured with a retrospective curated by John Szarkowski at The Museum of Modern Art, which toured internationally until 1989. After the retrospective, Penn resumed painting and drawing as a creative pursuit, even incorporating platinum printing into his practice. Penn's creativity flourished during the last decades of his life. Determined to shape the body of work he left behind from such a prolific career, he also carefully structured and reduced his archives. In 2009, Penn died in New York, at the age of 92. During his lifetime, he established The Irving Penn Foundation.

Irving Penn is considered as one of the twentieth century's great photographers, known for his arresting images and masterful printmaking. At a time when photography was primarily understood as a means of communication, he approached it with an artist's eye and expanded the creative potential of the medium, both in his professional and personal work.

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La Galerie Thaddaeus Ropac a l’honneur d’annoncer The Flavour of France, sa première exposition consacrée au photographe américain Irving Penn (1917-2009) du 19 octobre 2017 au 6 janvier 2018 à Paris. Intitulée d’après un essai photographique publié par Irving Penn en 1960, dans lequel celui-ci célèbre ce qu’André Gide appelait « l’horreur de l’à-peu-près » indissociable du charme français, l’exposition se concentre sur trois séries majeures de l’artiste : les Nus, les Petits Métiers et les Portraits d’artistes. Réalisées entre 1947 et 1950, chacune explore à sa façon la relation étroite qu’Irving Penn a entretenu avec la France au cours sa vie, tant par ses visites fréquentes que par leur souvenir idéalisé. L'exposition coïncide avec la célébration du centenaire de l’artiste et la rétrospective organisée à cette occasion par les Galeries Nationales du Grand Palais du 21 septembre 2017 au 29 janvier 2018, à l’initiative du Metropolitan Museum of Art de New York.

Depuis septembre 2017, la Galerie Thaddaeus Ropac représente la Irving Penn Foundation in France en collaboration avec Pace/MacGill Gallery, New York.

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Portraits, Paris-New York, 1947-50

Irving Penn a acquis une renommée internationale grâce à la composition élégante et à la profondeur psychologique de ses portraits. Réalisées à la demande d’Alexander Liberman, directeur artistique de Vogue et mentor de Penn, les œuvres frappent par leur simplicité graphique et leur impact visuel, des qualités essentielles à l’impression sur papier glacé. Les portraits de Penn sont le résultat de séances exigeantes, au cours desquelles le photographe essaie de « trouver des moyens de fendre la carapace de ses modèles et les incite à baisser leur garde », comme le commente Maria Morris Hambourg, commissaire de l’exposition du centenaire au Metropolitan Museum de New York.

Afin de mieux révéler la personnalité de ses modèles et d’éviter une lecture trop narrative de leur pose, Penn accompagne cette méthode pseudo-psychanalytique de l’utilisation d’un arrière-plan dépouillé.

Le manque de contexte perturbe la notion d’échelle et met l’accent sur ce que révèle le langage corporel du modèle, mais également sur ce qu’il cache, qu’il s’agisse de la présence caverneuse du Père Couturier ou de la mystérieuse silhouette de Marlene Dietrich.

En 1947 Irving Penn commença à photographier des portraits dans un angle étroit formé à partir de deux panneaux. Selon ses propres mots : « il en résulta une série de photographies très intéressantes. Contre toute attente, la sensation de confinement semblait les mettre à l’aise, les apaiser. Les murs devenaient des surfaces sur lesquelles s’appuyer ou se redresser. » Certains, comme Marcel Duchamp, tournaient le dispositif à leur avantage, d’autres s’en tenaient aux instructions.

Penn développa ce style anti-narratif jusqu’à la fin de sa vie, toujours à la recherche d’un style pondéré et résolu habituellement dédié à la peinture.

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Nus, New York, 1950

En parallèle de son travail pour Vogue dans les années 1940, Penn initie le projet personnel de photographier le corps féminin d’une manière inédite. Cela allait devenir, selon ses propres mots, l’expérience artistique majeure de sa vie. Dégagé des exigences commerciales, il commence une série de nus dans son studio privé situé au 480 Lexington Avenue. Des heures durant, Penn scrute les moindres changements de pose à travers la fenêtre de son Rolleiflex.

Penn commence par photographier des modèles minces dans des poses contorsionnées, puis, s’écartant des canons de la mode, il se met à photographier les femmes aux formes rondes que l’on retrouve dans la plupart des tirages originaux.

Comme l’affirme Maria Morris Hambourg : « La charge érotique de ces clichés est très élevée, mais, comme lors des séances elle-mêmes, celle-ci est contenue dans une distance esthétique. Son musée imaginaire était plutôt rempli des contours et surfaces veloutés des nus d’Arp, de Brancusi, de Maillol, de Moore, de Picasso et de Matisse qui fleurissaient dans les magazines artistiques européens des années 1930. »

La qualité sculpturale du travail de Penn, où le corps apparaît souvent tronqué, déformé et presque abstrait, est renforcée par l’attention portée à la tactilité de l’image elle-même. Pour le tirage de ses Nus, Penn utilise un procédé expérimental afin de créer ces images éthérées où les détails s’estompent et les courbes s’aplanissent en des plans abstraits d’ombre et de lumière.

Aujourd’hui considérée comme un aspect essentiel de son travail artistique, cette série est demeurée en grande partie inédite avant de faire pour la première fois l’objet d’une exposition à la Malborough Gallery de New York en 1980.

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Petits Métiers, Paris,1950

À la fin du mois de juillet 1950, Irving Penn revient à Paris photographier les collections de haute-couture pour Vogue avec l’idée de débuter une nouvelle série autour des petits métiers. Influencé autant par les portraits réalisés par Eugène Atget au début du siècle que par l’œuvre engagée de Walker Evans, il développe sa propre vision. Choisissant d’isoler le sujet dans un studio loué par Vogue rue de Vaugirard, il s’éloigne du décor vernaculaire de la rue.

En 1991, il se remémorerait : « un flot constant de travailleurs, de vendeurs de rue, de marginaux grimpaient les six étages jusqu’au studio où ils prenaient la pose entre une séance de mode et un portrait d’une célébrité. »

Les travailleurs posent devant l’objectif avec leurs outils dans l’espace neutre du studio qui procure un semblant d’éternité à leur portrait. Dans Moments Preserved (1960), Penn confie « comme tous ceux qui se sont intéressés à l’aspect des travailleurs, j’étais motivé par le fait que ce qui distingue un individu et la fierté qu’il tire de son activité semblaient en déclin. » Il poursuivit ensuite cette série à Londres et à New York jusqu’à établir progressivement une sorte de typologie. Celle-ci finit par constituer son corpus le plus important.

Devenue l’un des jalons majeurs de la photographie moderne, cette série peut être considérée comme un manifeste de la méthode photographique de Penn. Comme il l’a lui-même affirmé au cours d’un séminaire organisé par Edward Steichen au MoMA en 1950 : « Le photographe moderne apporte la même attention et le même soin à son sujet, qu’il s’agisse d’une reine, d’une chaise, d’un mannequin, d’un soldat, d’un cheval. Il trouve toujours quelque chose de lui dans son sujet, et inversement. »

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Né en 1917 à Plainflied dans le New Jersey dans une famille russe d’origine juive, Irving Penn étudie à la Philadelphia Museum School of Industrials Arts de 1934 à 1938 où il suit l’enseignement d’Alexey Brodovitch dans son Design Laboratory.

Le travail de Penn a d’abord été publié dans les pages de Vogue, ce qui lui a permis d’être reproduit et largement diffuse. En 1943, le nouveau directeur artistique de Vogue, Alexander Liberman, engage Penn pour préparer la maquette du magazine et suggérer des idées pour les couvertures. Liberman, également un russe immigré, se penche sur les planches contact réalisées par Penn au cours de ses derniers voyages, et reconnaît là “un esprit, un regard qui savait ce qu’il voulait voir”.

Après la seconde Guerre Mondiale, alors que Penn se forge une réputation pour ses natures mortes et ses portraits au style saisissant, Liberman l’envoie autour du monde pour effectuer des séries de mode et des portraits. Ces expériences formatrices confirment la préférence de Penn pour la photographie dans l’environnement contrôlé du studio où il écarte tout ce qui n’est pas essentiel à ses compositions et peut se concentrer uniquement sur son modèle. De 1964 et 1971 Penn voyage de plus en plus pour le compte de Vogue, au Japon, en Crète, en Espagne, au Dahomey, au Népal, au Cameroun, en Nouvelle Guinée et au Maroc. Penn est de plus en plus libre de porter son intention sur ce qui l’intéresse vraiment: réaliser des portraits de gens en lumière naturelle.

Au début des années 1970, Penn quitte son studio de Manhattan pour s’immerger dans le laboratoire qu’il a construit dans la ferme familiale de Long Island afin de réaliser des tirages platine. Cette expérience le conduit à concevoir trois de ses séries les plus emblématiques: Cigarettes, 1972 (présentée au MoMA en 1975), Street Material (1975-76, exposée au Metropolitan en 1977), Archeology (1979-80, montrée à la Malborough Gallery en 1982). Tout comme sa série précédente des Nus, ces travaux tranchent radicalement avec les usages prédominants de la photographie.

En 1984, une rétrospective organisée par John Starkowski lui est consacrée au Museum of Modern Art, celle ci est reprise dans le monde entier jusqu’en 1989. Après sa rétrospective, Penn se remet à peindre et à dessiner tout en incluant le tirage platine dans sa pratique.

Les dernières décennies de sa vie témoignent d’une créativité sans précédent. Déterminé à décider de l’œuvre qu’il laisserait derrière lui, il entreprend de structurer et de sélectionner ses archives avec soin. En 2009, Penn décède à New York à l’âge de 92 ans, après avoir établi de son vivant la Irving Penn Foundation.

Irving Penn est considéré aujourd’hui comme l’un des plus grands photographes du XXe siècle, tant pour l’impact de ses images que pour sa maîtrise du tirage photographique. A l’époque où la photographie était d’abord conçue comme un moyen de communication, il considéra le médium avec un œil d’artiste et repoussa les limites de son potentiel créatif tant dans son travail personnel que professionnel.