Colin Snapp

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Galerie Alexander Levy is pleased to present the second solo show of Colin Snapp. The exhibition Observatory once again demonstrates the remarkably strong thematic focus of his work; here he addresses the interaction between tourism, the travel industry, manmade environments and contemporary modes of seeing revealed through his videos and photography.

As the titles of the exhibited work series reveal, NV Regional (2013/17) and Observatory (2018) allude to government regulated tourism. Snapp particularly concentrates on the U.S. American West Coast and looks at the phenomenon of controlled travel from a distanced perspective. He mostly ignores the tourist attractions and sets his focus on the behavior of the tourists, their movements, and clothing, as well as their technical equipment and the visual tools they use to enhance and save their impressions.

The three-channel video installation NV Regional shows a non-edited longtime observation (90 minutes in total) of tourists at the Hoover Dam in Nevada. The scenery leaves an almost extraterrestrial impression: Serpentines cut through the vast land of the Black Canyon creating geometrical formations. Visitors walk slowly along these pathways and move as if directed by an invisible force. An ethereal sound he developed by reworking recordings of the electrical current generated by the dam’s power plants accompanies their progress.

Snapp stresses the repetition of the ever same action and thus alludes to the history of the dam––a masterpiece in the history of engineering build in the 1930’s––while at the same time emphasizing the spiritual character of this steady scenario. He identifies the swarms of tourists as metaphors for the formal connections in the appearance of work and leisure, as well as of wordly and spiritual pleasure. Immersing oneself in the meditative videos and looking at tourists climbing a mountain step by step, images of workers entering a factory and pilgrims cross one’s mind and merge with Snapp’s footage.

The eight exhibited photographs in the series Observatory similarly evoke an other-worldly atmosphere. The majority of the pictures shows telescopes and people taking photos with their smartphones. Portrayed against the blue sky, and with an additional blue glass filter, they gradually start to resemble each other. While people take on cyborg-like features through the elongation of their limbs by electronic devices, the mechanical viewing equipment develops an autonomous life and a certain personality. The images demonstrate how humanity, nature, and technology are increasingly merging, as can be seen particularly in Observatory #5 and Observatory #6: The gesture of a couple raising their glowing smartphone up in the air with a selfie stick seems to be repeated by the street lights illuminating a park.

The backdrop for Snapp’s observations was perfectly chosen: The pictures were taken at the Griffith Observatory in LA. The artist talks about how much “the futuristic and yet nostalgic technology“ he portrayed reminds him of “Star Wars.“ Finally, the people in his photographs–– it is the first time the artist shows humans––also seem to come from another planet.

Both work series appear as studies of unknown tribes or cultures. In this respect, Snapp turns the exhibition itself into an observatory in a broader sense: The viewer, while he only sees details of favorite travel destinations and focuses mainly on the tourists, becomes an observer of the observers.

At the same time, the viewer himself is, in turn, targeted when he enters a much-frequented place as a visitor to the exhibition, the gallery. Colin Snapp’s works, in this sense, mark only one moment in the endless and uncontrollable spiral of being watched and photographed while traveling, sight-seeing, or simply looking at art––a notion that is expressed by a certain hint of paranoia in his pictures and videos.

Snapp further reveals another aspect and crucial limitation of traveling nowadays: By analyzing the pictures tourists typically take, he became aware of the fact that it is not only the construction of tourist attractions that prevents individual experience and thus opposes the romantic aim of traveling. The standardized viewing tools and aids such as tinted glass (e.g., used in car windows and sunglasses), smartphone and camera screens, or apps like Instagram also cause a standardized and abstract view that ultimately equalizes impressions, as the artist demonstrates in Observatory.

For years the filtered, multi-layered and pre-fabricated perception determining the traveler’s perspective has been a recurrent motif in Colin Snapp’s artistic practice. In this exhibition, however, this approach is expanded, particularly regarding visual memory: The architecture of the chosen locations seems to provide the perfect backdrop for Snapp’s subtle games with the Sci-fi genre and renders yet another layer determining the tourists’ perspective visible: the Hollywood filter. And so it stands to reason that the artist, who was originally trained as a filmmaker, devotes himself to the Hoover Dam and the Griffith Observatory, both of which served as locations for blockbusters like “The Terminator“ (1984), “Transformers“ (2007) or “La La Land“ (2016).

- Lydia Korndörfer

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Die Galerie Alexander Levy freut sich, mit Observatory die zweite Einzelausstellung von Colin Snapp zu präsentieren. Die Soloshow ist dem Zusammenspiel von Tourismus und Reiseindustrie, sowie der vom Menschen geprägten Umwelt und den zeitgenössischen Sehgewohnheiten gewidmet, die Snapp mittels Video und Fotografie aufdeckt. Sie zeugt erneut von der außerordentlich stringenten, thematischen Ausrichtung seines künstlerischen Schaffens.

Die Titel der ausgestellten Arbeiten, NV Regional (2013/17) und Observatory (2018), spielen auf den vom Staat gesteuerten Tourismus an, wobei sich Snapp insbesondere auf die US-amerikanische Westküste konzentriert. Der Künstler betrachtet das Erscheinungsbild des kontrollierten Reisens jedoch mit entschiedener Distanz. Den Attraktionen selbst schenkt er kaum Beachtung. In den Mittelpunkt seiner Arbeiten rücken dagegen das Verhalten der Touristen, ihre Bewegungen und ihre Kleidung sowie die Technik, die sie nutzen, um ihre Eindrücke zu bewahren.

Die Dreikanal-Videoinstallation NV Regional zeigt eine ungeschnittene Langzeitstudie (insgesamt 90 Minuten) von Touristen am Hoover Dam in Nevada. Die Szenerie erweckt einen beinahe extraterrestrischen Eindruck: Serpentinen schneiden sich durch den trockenen Black Canyon und bilden geometrische Formationen. Besucher folgen den vorgegebenen Pfaden und bewegen sich langsam, wie von einer unsichtbaren Kraft getrieben. Ihr Marsch wird von einem sphärischen Sound begleitet: Es sind bearbeitete Aufnahmen des elektrischen Stroms, der in den Kraftwerken des Staudamms produziert wird.

Snapp betont die Wiederholung der ewig gleichen Handlung und spielt damit auf die Geschichte des Staudamms an – ein in den 1930er Jahren erbautes Meisterwerk der Bau- und Ingenieurgeschichte – während er gleichermaßen den spirituellen Charakter dieser gleichförmigen Aktion unterstreicht. Der Künstler erkennt die Touristenschwärme als Metaphern für den Zusammenhang von Arbeit und Freizeit, von weltlichem und geistlichem Genuss. Beim Anblick der meditativen Videos und der Touristen, die Schritt für Schritt einen Berg erklimmen, werden Bilder von Arbeitern, die eine Fabrik betreten und pilgernden Gläubigen in Erinnerung gerufen, die sich mit Snapps Filmmaterial überlagern.

Die acht ausgestellten Fotos der Serie Observatory lassen in ähnlicher Weise eine außerweltliche Atmosphäre entstehen. Die Mehrzahl der Aufnahmen zeigt Fernrohre und Menschen, die mit ihren Smartphones fotografieren. Beide wurden gegen den blauen Himmel und durch einen Blaufilter porträtiert und gleichen sich allmählich an: Die Personen nehmen durch die Verlängerung ihrer Gliedmaßen mit elektronischen Geräten Cyborg-ähnliche Züge an, während die mechanischen Sehvorrichtungen ein autonomes Dasein und einen eigenen Charakter entwickeln. Die Bilder demonstrieren, wie Menschheit, Natur und Technologie zunehmend verschmelzen, was sich insbesondere an Observatory #5 und Observatory #6 ablesen lässt: Die Geste eines Paares, das ihr leuchtendes Smartphone mit dem Selfiestick in den Himmel gehoben hat, scheint durch die Straßenlaternen im Park aufgegriffen und wiederholt.

Der Hintergrund für Snapps Untersuchungen hätte passender nicht gewählt sein können: Die Fotos wurden im Griffith Observatory, L.A. aufgenommen. Der Künstler spricht davon, wie sehr ihn „die futuristische und beinahe nostalgische Technik“, die er porträtiert hat, an „Star Wars“ erinnert.

Schließlich scheinen auch die Personen in seinen Bildern – es ist das erste Mal, dass er Menschen zeigt – von einem anderen Stern zu sein.

Beide Werkserien muten wie Studien unbekannter Völker oder Kulturen an. Snapp verwandelt die Ausstellung also selbst in ein Observatorium im weiteren Sinne: Der Betrachter wird, während er nur Details der beliebten Reiseziele sieht und sich vor allem auf die Touristen konzentriert, zum Beobachter der Beobachtenden. Er selbst wird wiederum ins Visier genommen, wenn er als Ausstellungsbesucher einen viel frequentierten Ort, die Galerie, betritt. Die Kunstwerke markieren in diesem Sinne also nur einen Moment in der endlosen und nicht kontrollierbaren Spirale des Beobachtet- und Fotografiert-Werdens, in der man sich beim Reisen, Sight-Seeing oder Kunst-Betrachten bewegt – ein Gedanke, der sich schließlich auch durch einen Hauch von Paranoia in Snapps Arbeiten niederschlägt.

In seinem Werk deckt der Künstler ein weiteres Charakteristikum und eine entscheidende Limitation des heutigen Reisens auf: Durch die Analyse von typischen Touristenbildern wurde Snapp darauf aufmerksam, dass sich nicht nur die Architektur von Sehenswürdigkeiten der individuellen Erfahrung und damit dem eigentlichen, romantischen Antrieb des Reisens verweigert. Vielmehr haben auch die genormten visuellen Sehwerkzeuge und Hilfsmittel wie getöntes Glas (das u.a. in Autofenstern und Sonnenbrillen genutzt wird), Smartphone- und Kamera-Screens oder Apps (wie Instagram, etc.) eine standardisierte und abstrakte Sicht, und damit schließlich die Gleichmachung von Eindrücken zur Folge, wie sie der Künstler auch in Observatory thematisiert.

Seit Jahren stellt die gefilterte, vielschichtige und vorgefertigte Wahrnehmung, die die Perspektive Reisender bestimmt, ein wiederkehrendes Motiv in Colin Snapps künstlerischem Schaffen dar. In der Ausstellung erweitert sich dieser Ansatz vor allem in Bezug auf das Bildgedächtnis. Eine weitere Wahrnehmungsebene wird sichtbar, die den touristischen Blick bestimmt: der Hollywood-Filter. Die Architektur der gewählten Sehenswürdigkeiten bietet die passende Kulisse für Snapps subtiles Spiel mit dem Sci-fi-Genre. Schließlich scheint es naheliegend, dass sich der Künstler – ursprünglich als Filmemacher ausgebildet – dem Hoover Dam und dem Griffith Observatory widmet: Beide dienten als Schauplätze für Blockbuster wie „Der Terminator“ (1984), „Transformers“ (2007) oder „La La Land“ (2016).

- Lydia Korndörfer