Analia Saban

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The work of Analia Saban continually expands the definition of how paintings, sculptures and even everyday objects are made. Through tactile manipulations of material and composition, Saban transforms straightforward things—copper, linen thread, acrylic paint, paper, printing ink—into complex layered networks of information that consider the entwined relationship between art, culture and daily experience. Monika Sprüth and Philomene Magers are pleased to present Save As, an exhibition of new works by Saban at the Berlin gallery that delves into the increasingly porous line between our physical and virtual worlds—made ever more palpable by the further expansion of digital life in response to the coronavirus pandemic.

The title borrows from the basic computer function to “Save As,” which prompts users to save a file as a new format—a small, albeit fundamental, alteration. Throughout the exhibition, similar transformative processes take place that illustrate Saban's continued exploration of the analog-digital divide and emphasize the extent to which computerization shapes our lives. The sculpture marble_calacatta_borghini1.TIFF (2020) presents what looks like a slab of marble leaning on an elegantly handcrafted walnut support. Stone from Italy’s Calacatta region is some of the most expensive on the market, prized for its pure-white background. Yet on closer inspection, the false nature of this work’s material reveals itself: It is in fact a digital image reproducing a veined marble surface, printed onto a sheet of porcelain. Surreal and unnerving, the sculpture encapsulates the themes at work in Save As: Where does the physical, tactile world end, and the world of technology and machines begin?

In 2016, Saban acquired her first loom and set to work reinventing how paintings are made: Rather than applying paint on canvas, she began to weave dried, pliable "threads" of acrylic paint with linen threads, producing an object that hovers between painting and sculpture. She then got a Jacquard loom, which combines traditional, hands-on weaving with computerized mechanisms that allow for more intricate and larger-scaled designs. The compositions of these woven works, such as Woven Radial Gradient as Weft (Linen on White) (2020), are derived from Photoshop editing functions. At once purely abstract, they also suggest the inner workings of machines, like the ticking hands of a clock in Woven Angle Gradient as Weft, Black (Three O’Clock) (2020). Here we see time stopped: An invitation to pause and reflect on our ubiquitous digital tools, as well as on our current global predicament.

Computer circuitry is at the foundation of three further bodies of work included in the exhibition. Saban’s Copper Tapestries, also made with the Jacquard loom, interweave linen with metallic copper thread to create shimmering objects that hearken to the grandeur of centuries-old tapestries. Their compositions are modeled on the patterns of historical circuit boards that represent milestones in computer technology, which in turn have affected daily life. The circuit at the basis of Copper Tapestry (Computer Chip, TMS 1000, Texas Instruments, 1974) (2019), for example, paved the way for microcomputing and the eventual proliferation of handheld devices. Its surfaces gleam as light passes over them: Copper, here, represents not just an aesthetic medium, but an electrically conductive one that is often wound into circuit boards themselves.

Saban’s Pleated Ink works likewise take circuit boards as the basis for their intricate, abstract-looking compositions, though to very different effect. To create these works, the artist developed a technique of applying thin, laser-cut patterns of paper over still- wet black printer's ink; as the ink dries, it assumes elaborate patterns in and around the paper outlines, taking on a life of its own. Rather than "ink on paper," these objects are literally "paper on ink" as they re-imagine drawing and printing techniques for the twenty-first century. Finally, a trio of intimately scaled panels incorporates actual computer motherboards that the artist salvaged from electronics yards. Saban overlays the same wet printer’s ink atop the circuitry, as in Motherboard #3 (2020), bringing its organic viscosity to bear upon the rigid, and now inert, computer components. These byproducts of mass digital culture usually go unseen, but now they appear as mysterious, portentous objects encased in the artist's pristine walnut frames, and gleaming across the gallery walls.

Together, Saban’s recent series move between states of being, shifting in meaning as they bridge the zones of digital and analog, fact and fiction, human and machine. Impossible to pin down, much like the streams of digital information that we encounter each day, they carry with them a distinct sense of inquiry and wonderment, even as they tackle fundamental questions about art, technology and its meaning within contemporary culture.

This exhibition is supported by Stiftung Kunstfonds as part of their Neustart Kultur program.

Analia Saban (*1980, Buenos Aires) lives in Los Angeles. Solo exhibitions include Modern Art Museum Fort Worth (2019), Qiao Space, Shanghai (2017–18), Blaffer Art Museum, Houston (2016), and Armory Center for the Arts, Pasadena (2014). Recent group exhibitions include those at Clark Art Institute, Williamstown, MA (2020), Hammer Museum, Los Angeles (2018), Los Angeles County Museum of Art and Aïshti Foundation, Beirut (both 2016–17), Rubell Museum, Miami (2015–16), The National Museum, Oslo (2014–15), Palais de Tokyo, Paris (2013), Centre d’art Contemporain de Fribourg, Switzerland (2012–13), and MARCO Museum of Contemporary Art, Vigo, Spain (2012). Her work has also been featured at Art Safiental 2018: Horizontal- Vertical (2018); NGV Triennial at National Gallery of Victoria, Melbourne (2017–18), and the first Made in LA biennial at the Hammer Museum, Los Angeles (2012).

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In ihrem Werk erweitert Analia Saban fortlaufend die Begrifflichkeit von Malerei und Skulptur sowie Gebrauchsgegenständen. Durch die Bearbeitung von Material und Kompositionen verwandelt die Künstlerin einfache Dinge—wie Kupfer, Leinenfäden, Acrylfarbe, Papier, Druckerfarbe—in komplexe, vielschichtige Informationsgeflechte, die die Beziehung zwischen Kunst, Kultur und tagtäglicher Erfahrung hinterfragen. Monika Sprüth und Philomene Magers freuen sich, Sabans Ausstellung Save As in der Berliner Galerie zu präsentieren. Gezeigt werden neue Werke, die sich mit der zunehmend porösen Schnittstelle zwischen der physischen und virtuellen Welt auseinandersetzen—besonders spürbar seit der Ausweitung des digitalen Lebens durch die Pandemie.

Der Ausstellungstitel bezieht sich auf die Computerfunktion „Save As“ (dt: „Speichern unter“), welche es Nutzer/innen ermöglicht, eine Datei in einem neuen Format abzuspeichern—eine kleine, jedoch fundamentale, Veränderung. In der Ausstellung finden ähnlich transformative Prozesse statt, die das Ausmaß der Computerisierung auf unser Leben verdeutlichen. In der Mitte des Raumes präsentiert die Skulptur marble_calacatta_borghini1.TIFF (2020) etwas, das wie eine Marmorplatte aussieht, die an einer eleganten, handgefertigten Nussbaumstütze lehnt. Der Stein aus der italienischen Calacatta Region gehört zu den teuersten auf dem Markt, geschätzt für seine reinweiße Farbe. Doch bei näherer Betrachtung offenbart sich die falsche Natur des Materials dieser Arbeit: Tatsächlich handelt es sich hierbei um ein digitales Bild, das eine geäderte Marmoroberfläche nachahmt, die auf eine Porzellanplatte gedruckt ist. Auf surreale und nervenaufreibende Weise fasst die Skulptur die wesentlichen Themen in Save As zusammen: Wo endet die physische, greifbare Welt und wo beginnt die Welt der Technologie und Maschinen?

2016 erstand Saban ihren ersten Webstuhl und machte sich daran, die Entstehungsweise von Bildern neu zu erfinden: statt Farbe auf Leinwand aufzutragen, verwob sie getrocknete, biegsame „Fäden“ aus Acrylfarbe mit Leinenfäden, wobei ein Objekt entstand, das sich zwischen Bild und Skulptur bewegte. Im Anschluss begann sie mit einem Jacquardwebstuhl zu arbeiten, welcher traditionelles, manuelles Weben mit computergesteuerten Mechanismen kombiniert und somit intrikatere und großformatigere Designs ermöglicht. Die Kompositionen dieser Arbeiten, wie Woven Radial Gradient as Weft (Linen on White) (2020), basieren auf Bearbeitungsfunktionen von Photoshop. Obwohl komplett abstrakt, erinnern sie an das Innenleben von Maschinen, wie die tickenden Zeiger einer Uhr in Woven Angle Gradient as Weft, Black (Three O’Clock) (2020). Hier wird die Zeit angehalten: Es ist eine Einladung innezuhalten und über unsere allgegenwärtigen, digitalen Werkzeuge sowie die derzeitige weltweite Zwangslage nachzudenken.

Die drei anderen Werkgruppen in der Ausstellung beziehen sich auf Computer-Schaltkreise. Sabans Tapisserien aus Kupfer, ebenfalls auf dem Jacquardwebstuhl hergestellt, verweben Leinen- mit metallischen Kupferfäden zu schimmernden Objekten, die an die Erhabenheit jahrhundertealter Wandteppiche erinnern. Ihre Kompositionen sind den Mustern historischer Leiterplatten nachempfunden, die Meilensteine der Computertechnik darstellen, welche wiederum das tägliche Leben nachhaltig beeinflusst haben. Der Schaltkreis, auf dem das Werk Copper Tapestry (Computer Chip, TMS 1000, Texas Instruments, 1974) (2019) beruht, ebnete zum Beispiel den Weg für Mikrocomputer und die spätere Verbreitung von Handheld-Geräten. Die Oberflächen schimmern im Licht: Kupfer stellt hier nicht nur ein ästhetisches, sondern auch ein elektrisch leitfähiges Medium dar, das oft selbst in Leiterplatten genutzt wird.

Auch Sabans Pleated Ink Arbeiten nehmen Leiterplatten als Grundlage für ihre komplexen, abstrakt wirkenden Komposition, allerdings erzielen sie einen ganz anderen Effekt. Für diese Werke entwickelte die Künstlerin eine Technik, bei der sie dünne, lasergeschnittene Papiermuster auf noch feuchte, schwarze Druckertinte aufträgt. Wenn die Tinte trocknet, nimmt sie kunstvolle Muster in und um die Papierkonturen an und erhält so ein Eigenleben. Statt „Tinte auf Papier“ sind diese Objekte buchstäblich „Papier auf Tinte“, sie erfinden Zeichnungs- und Drucktechniken für das 21. Jahrhundert neu. Die letzte auf Computerschaltungen basierende Werkgruppe umfasst ein Trio von maßstabsgetreuen Tafeln—jede enthält tatsächliche Computer-Motherboards, die Saban selbst im Elektroschrott gefunden hat. Auch hier, zum Beispiel in Motherboard #3 (2020), wird nasse Druckertinte über die Schaltkreise gelegt, wodurch die unbeweglichen, rigiden Computerteile eine gewisse Viskosität erlangen. Diese Nebenprodukte der digitalen Massenkultur bleiben normalerweise im Verborgenen, hier jedoch erscheinen sie als mysteriöse, bedrohliche Objekte, die an den Wänden der Galerie glänzen.

Sabans neue Werke bewegen sich zwischen verschiedenen Seinszuständen und verändern dabei ihre Bedeutung; sie verwischen die Grenzen zwischen digital und analog, Fakten und Fiktion, Mensch und Maschine. Sie sind schwer zu greifen—wie der Strom von digitalen Informationen, dem wir jeden Tag ausgesetzt sind—und vermitteln ein Gefühl des Forschens und Staunens, selbst wenn sie grundlegende Fragen zu Kunst, Technologie und ihre Bedeutung in der zeitgenössischen Kultur angehen.

Mit freundlicher Unterstützung der Stiftung Kunstfonds im Rahmen des Neustart Kultur- Programms.

Analia Saban (geb. 1980, Buenos Aires) lebt in Los Angeles. Einzelausstellungen umfassen Modern Art Museum Fort Worth (2019), Qiao Space, Shanghai (2017–18), Blaffer Art Museum, Houston (2016) sowie Armory Center for the Arts, Pasadena (2014). Ihre jüngsten Gruppenausstellungen umfassen Clark Art Institute, Williamstown, MA (2020), Hammer Museum, Los Angeles (2018), Los Angeles County Museum of Art und Aïshti Foundation, Beirut (beide 2016–17), Rubell Museum, Miami (2015–16), The National Museum, Oslo (2014–15), Palais de Tokyo, Paris (2013), Centre d’art Contemporain de Fribourg, Schweiz (2012–13) und MARCO Museum of Contemporary Art, Vigo, Spanien (2012). Ihre Arbeiten wurden auch auf der Art Safiental 2018: Horizontal-Vertical (2018), NGV Triennial in der National Gallery of Victoria, Melbourne (2017-18) und der ersten Made in LA Biennale im Hammer Museum, Los Angeles (2012) gezeigt.