Ayan Farah

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Ayan Farah’s paintings are repositories of space and time. Presenting her first solo exhibition in Berlin, Farah created the new artworks on show guided by their medium: pigments sourced from natural materials like Senegalese indigo, rust from a contaminated site or homegrown marigold that through a complex process visually manifest themselves on antique linen and hemp. Engaging with the agency of natural materials holding history and memory, especially the contrast between the inherent geopolitics and domesticity of textiles marks the artist’s work.

Textile based, the works on show are not paintings in a classical sense, the artist however uses traditional techniques such as the layering of pigments to create a depth to its source. Once one, Farah cuts, dyes, and stitches together textile pieces previously used in domestic contexts to tell the story of their embodied memories and traditions. As industrial weaves become more popular, the initials in some of the works stand out. Visibly hand-stitched or applied with a sowing machine, the artist never knows exactly who these initials belong to, but hints to their personal past. Each piece, often in different weaves dependent on where Farah sourced it, is dyed with pigments equally self-sourced. In an intimate performative act, she preassembles the pieces before merging them. The material almost guides the composition in accordance with their make. Interested in how different earthy layers such as clay reappear in architecture, each layer, pigment, and mineral has its own connotation to depth and surface. ‘Each piece is its own little landscape’ says Farah, referring to the compositional units of her paintings. While the patchworks disclose the nature of their origins, they also suggest pictorial views such as vernacular architecture.

Predominantly working with linen and hemp from 19th century Marseille in this exhibition, Farah further explores indigo in these works. After a residency in Senegal in 2022, home to one of the first type of indigo plants now rarer, the artist brought back the leaves to her studio in Stockholm to make pigment from it. Since each work is usually a continuation from previous works, other colours such as an overdyed indigo with marigold grown in her parents’ backyard creating a shimmer of green or an indigo dyed piece of bedlinen from a 17th century hostel can be found. Whether the pigment is won from the seeds or leaves of the plant, Farah considers their origins as seeds in a conveyed meaning. African Indigo for example as Catherine McKinley points out, was rather neglected in indigo’s world heritage while in fact it had been one of the so-called hidden commodities that powered the trans-Saharan and trans- Atlantic trade routes. A conveyed meaning of origin is also evident in her usage of iron found at Alfred Nobel’s former factory at Vinterviken now a contaminated area in Stockholm, where dynamite was produced until 1921. Interested in the global perspective of the origin of plants, pigment and textiles, Farah’s work is underlined by an environmental dynamic between extinction and regrowth. Alongside the colours, the history of textiles, their respective importance to trade as well as how they are made by whom and what for, are embedded in the works on display, albeit rejecting a linear narrative.

Born in 1978 in Sharjah, UAE, to Somali Parents, Ayan Farah spent her childhood in Sweden and moved to London where she got her MA at the Royal College of Art. She lives and works in Stockholm. Recent grants and residencies include the The Roberts Institute of Art Residency in Scotland, Black Rock in Dakar, and Sven-Harrys Konstmuseum in Stockholm. Her works were recently included in prominent group shows at El Espacio 23, Miami, Cromwell Place (the Roberts Institute of Art) London, the Sainsbury Centre for Visual Arts, Norwich, and Fondazione Prada, Venice (all 2023), the Hunterian Art Gallery in Glasgow, Bundeskunsthalle, Bonn, The New Art Centre, Salisbury (all 2022) and the Tarble Arts Centre at Eastern Illinois University, Whitechapel Gallery, London (both 2018), Fondation Hipocrine, Paris (2014). Her work is included in the collections of The Kadist Foundation, Paris, Kunstpalast, Düsseldorf, Sammlung Zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland, Public Art Agency Sweden, the Hill Art Foundation, New York, El Espacio 23, Miami, and David Roberts Art Foundation, London.

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Die Arbeiten von Ayan Farah sind Depots von Raum und Zeit. In ihrer ersten Einzelausstellung in Berlin zeigt sie eine neue Werkgruppe, die durch ihre Medien geleitet ist: Pigmente, die von natürlichen Materialien stammen, wie senegalesischem Indigo, Rost eines kontaminierten Geländes oder selbst angebauten Ringelblumen, die sich durch einen komplexen Prozess auf antikem Leinen und Hanf abzeichnen. Die Auseinandersetzung mit natürlichen Materialien als Träger von Geschichte und Erinnerung, insbesondere der Kontrast von implizierter Geopolitik und der Häuslichkeit von Textilien, kennzeichnet die Arbeit der Künstlerin.

Die textilbasierten Arbeiten sind keine Malerei im klassischen Sinne, obgleich Farah traditionelle Techniken wie die Überlagerung von Pigmenten verwendet, um Tiefe zu erzeugen. Teile von Textilien, die zuvor in häuslichen Kontexten verwendet wurden, schneidet, färbt und näht Farah zusammen, um die Geschichte ihrer eingeschriebenen Erinnerungen und Traditionen zu erzählen. Angesichts der Allgegenwärtigkeit industrieller Weberei, fallen die in einige Stoffe eingestickten Initialen auf. Sichtbar von Hand genäht oder mit einer Nähmaschine aufgesetzt, weiß die Künstlerin nie genau, wem diese Initialen gehörten und verweist auf eine persönliche Vergangenheit. Jedes Stück, oftmals auf verschiedene Art gewebt, je nachdem woher es kommt, färbt sie mit Pigmenten ein, die sie ebenfalls selbst herstellt. In einem intimen, performativen Akt fügt sie vor dem Vernähen die Textilfragmente zusammen. Hierbei scheint die Beschaffenheit der Webereien nahezu die Komposition zu leiten. Mit ihrem Interesse an Erdschichten wie etwa Ton, die in der Architektur wieder auftauchen, hat jede Schicht, jedes Pigment und jedes Mineral einen eigenen Bezug zu Tiefe und Oberfläche. „Jedes Textilstück ist eine eigene kleine Landschaft" erklärt Farah im Hinblick auf die Komposition ihrer Arbeiten. Während die Patchworks Rückschlüsse auf ihre Herkunft zulassen, erlauben sie auch bildliche Assoziation, wie etwa zu traditionellen Bauweisen.

Farah, die in dieser Ausstellung hauptsächlich mit Leinen und Hanf aus dem Marseille des 19. Jahrhunderts arbeitet, führt in den Arbeiten ihre Auseinandersetzung mit Indigo fort. Nach einer Künstlerresidenz im Jahr 2022 in Senegal, einem der angeblichen Ursprungsorte der ersten Indigopflanzen, brachte die Künstlerin die Blätter einiger dieser heute in Senegal seltenen Pflanzen in ihr Stockholmer Atelier, um daraus Pigment herzustellen. Da jede Arbeit in der Regel eine Fortsetzung früherer Arbeiten ist, finden sich auch andere Pigmente in der Ausstellung. Wie ein grünlich schimmernder Farbton, der durch Überfärben mit Ringelblumen aus dem Garten ihrer Eltern entstand. Oder ein aus dem 17. Jahrhundert stammendes, gefärbtes Stück Bettwäsche, welches sie zuvor indigo gefärbt hatte. Farah betrachtet die Herkunft der Pigmente als Samen im übertragenen Sinne, unabhängig ob es aus Mineralien oder den Samen oder Blättern einer Pflanze gewonnen wird. Westafrikanischer Indigo zum Beispiel, der wie Catherine McKinley anmerkt, zwar im Welterbe des Indigos eher vernachlässigt ist, war eines der sogenannten versteckten Güter, das die transsaharischen und -atlantischen Handelsrouten antrieb. Die Bedeutung von Samen als Ursprung wird auch in ihrer Verwendung von Eisen deutlich, das aus Alfred Nobels ehemaliger Fabrik in Vinterviken stammt, einem heute kontaminierten Gebiet in Stockholm, in dem bis 1921 Dynamit hergestellt wurde. Farahs Interesse an der globalen Perspektive der Herkunft von Pflanzen, Pigmenten und Textilien wird durch die Umweltdynamik von Aussterben und Regeneration betont. Neben den Farben sind auch die Geschichte der Textilien, ihre jeweilige Bedeutung für den Handel sowie die Frage, wie sie von wem und wozu hergestellt werden, in den gezeigten Arbeiten eingebettet, ohne dabei in eine geradlinige Erzählung zu verfallen.

Ayan Farah wurde 1978 in Sharjah, VAE, als Tochter somalischer Eltern geboren und verbrachte ihre Kindheit in Schweden, bevor sie nach London zog, um ihren MA am Royal College of Art zu machen. Sie lebt und arbeitet in Stockholm. Zu ihren jüngsten Stipendien und Aufenthalten gehören eine Residenz beim Roberts Institute of Art in Schottland, Black Rock in Dakar und Sven-Harrys Konstmuseum in Stockholm. Ihre Werke waren jüngst in bedeutenden Gruppenausstellungen im El Espacio 23, Miami zu sehen und im Cromwell Place (Roberts Institute of Art) London, im Sainsbury Centre for Visual Arts, Norwich und in der Fondazione Prada, Venedig (alle 2023), in der Hunterian Art Gallery in Glasgow, in der Bundeskunsthalle, Bonn, im New Art Centre, Salisbury (alle 2022), im Tarble Arts Centre an der Eastern Illinois University und der Whitechapel Gallery, London (beide 2018) sowie in der Fondation Hipocrine, Paris (2014). Ihre Arbeiten sind in den Sammlungen der Kadist Foundation, Paris, des Kunstpalast, Düsseldorf, der Sammlung Zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland, der Public Art Agency Sweden, der Hill Art Foundation, New York, El Espacio 23, Miami und der David Roberts Art Foundation, London vertreten.