Max Fouchy

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For his first solo show at 22,48m2, Max Fouchy fills the space with sculptures made of plastic bottles, the ultimate waste product of our overconsuming society. The artist is used to work with plastic as he often uses and incorporates objects from his daily life into his pieces. He enhances the worth of trivial things by unleashing the potential of materials, and doing so, suggests a new way of thinking about our relationship to the world and to things.

For this exhibition, the artist found inspiration in urban lightings and their orange-yellow glow, which can also be found in domestic settings. Max Fouchy uses heat to bend the plastic pieces, which he then fills with colored liquid, creating a gradient depending on the width of the piece. The industrial plastic shapes become organic. The illusion is convincing: the artist seems to transmute plastic into glass. Although glass is not as negatively impactful on ecosystems as plastic is, being infinitely reusable, it is still a big consumer of fossil resources: marine sand, principal raw material of glass production, is not as easily renewable as one could think, and its demand tripled in twenty years.

Max Fouchy’s sculptures are meant to interact with their surroundings. The perception of the space and the pieces themselves is transformed by a subtle game of lights and colors. The usual lighting of the gallery will be shut down to allow other light sources to shine: sunrays coming through the windows and the light from the sculptures themselves. The chandelier comes to mind: at first, chandelier had a pure utility purpose. During the 15th century, however, they became a design statement. Since then, the chandelier has always been a luxury, following the latest trends. Chandelier were a symbol of wealth and power, adorning the most beautiful palaces in Europe.

The title of the exhibition, Wormhole, highlight the striking contrast between object and material. A wormhole is an hypothetical object linking two areas in the space-time continuum. Max Fouchy pieces are a reference game between contrasting elements: inside and outside, liquid and solid, glass and plastic, geometric and organic, utilities and ornaments, industrial waste and artefact.

"I have only visited Venice in the winter, more specifically in January. The water is known to rise and the city floods during this period, but when I went there was no flooding. In the sun, the lagoon water was emerald and at night it looked black.

Everything was black at night; in the distance you would see shadows of the women wearing fur hats and walking in unknown vectors with seemingly no origin or destination. They seemed to walk as if the sole reason of their existence was the act of walking and creating shadows.

Further contemplation led me to think of the light. The pale lights that just seemed to hover forever and for infinity. It was mesmerising. I couldn’t stop looking at the pale light glowing from the old lamps, I followed them throughout the city centre and realised I was walking in circles.

The city seemed abandoned after hours. Some people huddled in a Cantina or a restaurant, a doorman at the entrance of a Palazzo but not much more.

The grandeur of the city is alive but somehow different than before; the ebb of time is an exercise in mutation, Beauty changes, nature takes over. The original splendour of everything dies and something new emerges. Everything warps to achieve new awe like a plant fighting to survive.

With some luck you can peek through windows and see inside the palazzo. I saw a man on his phone. The window had a slight reflection, when I approached it, the reflection disappeared. Inside there was no time. The dimension we run our lives by had collapsed and revealed only exotic matter.

I no longer knew in what direction things were growing or changing. The exuberant details of his home had been in flux for hundreds of years, and here he was, his face fixated on the glowing screen. Time had been hacked, taken as a joke. He would one day die, become liquid and a skeleton and a phone. Everything else around him would just keep going on.

I won’t lie, the whole experience feels sensual. I have the urge to smash myself against the palazzo stones and slither down the steps to the dark emerald water slow like the drool of a Cane Corso, the noble mastiff.

I want to become drool and lay there and see what time does to me. If I could only grow crooked and strange into a thing of beauty.

That would be the dream."

—Jack Rothert Garcia

Max Fouchy was born in Grasse in 1988. He lives and works in Aubervilliers in a studio at Poush Manifesto. After a first preparatory year at the Atelier de Sèvres, he entered the Beaux-arts de Paris in 2009. After obtaining his DNSAP in 2014, Max leaves to live and work in Brussels for two years. There he creates with other artists the workshops "Le Lance-pierre" within the Salvation Army, work spaces that still exist today.

His approach is intuitive and made of quasi-scientific experiments. His practice consists of collecting materials that at first sight are ordinary, to bring out another potential

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Pour sa première exposition personnelle à 22,48 m², Max Fouchy investit la totalité de l’espace de sculptures réalisées principalement à partir de bouteilles en plastique, le déchet par excellence de notre société de surconsommation. Cet usage du plastique n’a rien d’extraordinaire pour l’artiste car il a l’habitude d’utiliser et d’intégrer dans ses œuvres les objets qui l’entourent au quotidien. Il reconsidère des objets triviaux en dévoilant le potentiel des matériaux, et propose ainsi de repenser notre rapport au monde et aux choses.

Pour ce projet d’exposition, l’artiste s’est inspiré de la couleur jaune-orange typique des luminaires urbains, que l’on peut également retrouver dans les intérieurs domestiques. Max Fouchy thermoforme des pièces en plastique, qu’il remplit d’eau teintée de pigments colorés, créant des jeux de dégradé selon la densité du liquide. Les formes plastiques industrielles et géométriques prennent ainsi des aspects organiques. L’illusion est stupéfiante : l’artiste semble transmuter la matière plastique en verre. Bien que moins polluant que le plastique et infiniment recyclable, le verre reste un consommateur de ressources fossiles : le sable marin, principale matière première de sa production, ne se régénère pas si vite qu’on pourrait le penser, alors que la demande en sable a triplé en vingt ans.

Les sculptures de Max Fouchy sont pensées pour interagir avec leur environnement. Lumière et couleurs sont mobilisées pour transformer la perception de ces pièces et de l’espace dans lequel elles évoluent. L’éclairage traditionnel de la galerie est éteint pour cette exposition, pour permettre la perception des autres sources de lumière : les rayons de soleil qui se réfléchissent sur les pièces et l’aura propre des œuvres. La question du lustre se pose. Dans l’histoire, les premiers lustres apparaissent uniquement comme des objets utilitaires. C’est à partir du 15ème siècle qu’ils deviennent éléments de décoration et d'ameublement. Depuis, l'évolution du lustre s'est toujours faite dans le sens du luxe, en suivant les différentes modes. Les luminaires étaient un signe de pouvoir et de richesse, ils ornaient les salles des plus beaux palais d'Europe.

Ce contraste frappant entre l’objet et son matériau est rappelé dans le titre de l’exposition Wormhole, trou de ver, qui en astrophysique dénomme un objet hypothétique reliant deux endroits dans l’espace-temps. Max Fouchy nous montre à travers ses œuvres, un jeu de renvoi entre éléments opposés : lieu extérieur et intérieur, état liquide et solide, verre et plastique, formes géométriques et organiques, objets utilitaires et de décoration, déchet industriel et artefact…

"Je ne suis allé à Venise qu’en hiver, en janvier plus précisément. Les eaux montent et submergent la ville à cette période de l’année, mais quand j’y étais, les rues n’étaient pas inondées. Au soleil, l’eau de la lagune est couleur d’émeraude, la nuit, elle est noire.

La nuit, tout est noir ; on voit au loin les ombres des femmes en chapeaux de fourrure qui marchent suivant des vecteurs inconnus, sans origine ni direction apparentes. Elles marchent, comme si marcher et créer des ombres était l’unique raison de leur existence.

Mes pensées cheminent naturellement vers la lumière. Ces lumières pâles qui semblent flotter pour toujours dans l’éternité. C’est fascinant. Je ne peux m’empêcher de fixer le halo des vieux réverbères. Je les suis jusqu’au centre de la ville avant de réaliser que je tourne en rond.

À la fin de la journée, la ville semble abandonnée. Quelques personnes devant une cantina, dans un restaurant, un portier à l’entrée d’un palazzo, mais pas plus.

On perçoit toujours la grandeur de la ville, mais différemment. Le temps qui passe provoque des métamorphoses. La beauté change, la nature reprend ses droits. Toute la splendeur originelle s’éteint, se transforme, pour donner naissance à une nouvelle merveille – telle une plante luttant pour sa survie.

Avec un peu de chance, on peut épier par la fenêtre, l’intérieur du palazzo. Un homme est sur son téléphone. Il y a un léger reflet sur la fenêtre, qui disparaît quand je m’approche. À l’intérieur, le temps est aboli. Notre dimension s’y est effondrée pour laisser place à une matière complètement exotique.

Je ne sais plus dans quelle direction s’écoulent les choses. Dans sa maison, chaque détail est témoin de centaines d’années d’existence, et il est là, le visage éclairé par son écran. Le temps est piraté, moqué. Un jour, il mourra, il deviendra liquide, squelette et téléphone. Ce monde autour de lui continuera de tourner.

Je ne vais pas mentir, l’expérience est sensuelle. Je ressens le besoin d’aller m’aplatir contre les pierres du palazzo et de me glisser le long des marches jusque dans l’eau verte et sombre, comme la bave du Cane Corso, ce noble dogue.

Je veux devenir cette bave, m’étendre là et voir ce qui m’arrive. Si seulement je pouvais me tordre en une chose étrange et belle.

Ce serait le rêve."

—Jack Rothert Garcia

Max Fouchy est né à Grasse en 1988. Il vit et travaille à Aubervilliers dans un atelier à Poush Manifesto. Après une première année préparatoire à l’Atelier de Sèvres, il intègre les Beaux-arts de Paris en 2009. Suite à l’obtention de son DNSAP en 2014, Max part vivre et travailler à Bruxelles pendant deux ans. Là-bas il crée avec d’autres artistes les ateliers « Le Lance-Pierre » au sein de l’Armée du Salut, des espaces de travail qui existent encore aujourd’hui.

Sa démarche est intuitive et faite d’expérimentations quasi scientifiques. Sa pratique consiste à collecter des matériaux à première vue quelconques, ordinaires, pour mettre en avant un autre potentiel.